Intervista di Romano Viazzani a Milos Milivojevic (prima parte)

Milos Milivojevic fa parte di quella generazione d’oro di giovani fisarmonicisti che hanno studiato alla Royal Academy di Londra del dipartimento di Musica per fisarmonica sotto la guida di Owen Murray. Tra questi vi sono talenti come Borut Zagoranski, Ksenija Sidorova e Martynas Levickis. Milos ha terminato gli studi a pochi anni fa, ma il dipartimento continua ad attirare la crema di fisarmonicisti provenienti da tutto il mondo. Milos è stato considerato talmente talentuoso che l’Accademia gli ha concesso una borsa di studio appena fatto l’audizione. Ci incontriamo per un’intervista e gli chiedo proprio di questo.

Sì, è stato ormai dodici anni fa! Ero al liceo ed ero in un concorso a Londra allo stesso tempo, e ho deciso di iscrivermi quello tesso anno. Ho fatto l’audizione, l’anno successivo ho vinto la borsa di studio e ho iniziato a settembre.

In Serbia c’è una forte tradizione fisarmonicistica soprattutto nella musica folk che ha prodotto e produce molti musiciste di alto livello. Come mai hai scelto di venire a studiare a Londra?

Innanzitutto sono stato molto fortunato per aver potuto lavorare, in Serbia, con insegnanti come Milica Lazarevic, il direttore della nostra scuola di musica Radomir Tomic e l’insegnante di liceo Vojin Vasovic. È stato davvero fantastico lavorare con loro. Sono cresciuto con quaranta o cinquanta fantastici musicisti della mia generazione, i quali suonano molti stili diversi, ma ovviamente non tutti. Geograficamente la Serbia è abbastanza centrale e quindi abbiamo avuto il privilegio di ascoltare e lavorare con i musicisti più in visita in Russia, Francia, Danimarca, Spagna e Germania. Questo ci ha dato delle buone idee, è stato cioè un buon punto di partenza dal quale, dopo un paio d’anni, abbiamo potuto riflettere su cosa volevamo fare, cosa volevamo esplorare, dove e con chi avremmo voluto studiare. È stato grande. Ogni anno, durante le vacanze avremmo avuto la possibilità di ascoltare e lavorare con queste persone per dieci giorni o giù di lì. Sono stato invitato a suonare in una competizione in Danimarca e anche in Germania molto tempo fa e personalmente stavo seriamente pensando di studiare in Germania o in Svizzera, dove molti dei miei amici stavano già studiando e sapevo che si trovavano molto bene e che stavano lavorando sulla musica contemporanea, un genere che mi è sempre piaciuto molto e che mi piace ancora oggi. Dopo la gara di Klingenthal, nel 2000 credo, ho incontrato Owen Murray, che mi ha invitato a venire l’Accademia e siamo rimasti in contatto. Anche nella città dove studiavo, da un paio di anni prima, c’era un’accademia nella quale avrei potuto compiere i miei studi. Quella era una porta sempre aperta, dove avrei potuto lavorare con gli stessi insegnanti che avevo avuto durante la High School e anche prima. Ho avuto la sensazione, però, che, come avevano fatto i miei insegnanti, sarebbe stato meglio spostarsi in un posto nuovo e imparare qualcosa di nuovo, attraverso uno sviluppo diverso. Se mi guardo indietro sono felice di aver fatto la scelta giusta, venendo a Londra non solo come fisarmonicista ma come musicista. Quella scelta mi ha dato la Royal Academy prima di tutto e il professor Owen Murray, e mi ha dato la città.

È interessante, perché questa sarebbe stata proprio la mia prossima domanda, visto che vivi ancora a Londra. Come musicista cosa ti da Londra, sia relativamente alla Royal Academy che alla città?

Innanzitutto essere stato alla Royal Academy per sette anni è stata una grande esperienza e mi ha dato la possibilità di incontrare musicisti provenienti da tutto il mondo. Anche se avevo incontrato la maggior parte dei suonatori di fisarmonica classica in Europa, non credo di averi mai incontrato nessuno dal Regno Unito prima di venire qui. Non mi ricordo di aver incontrato fisarmonicisti inglesi in competizioni internazionali, anche se questo può probabilmente essere ricondotto al fatto che io ero molto giovane e quei musicisti avrebbero potuto gareggiare in categorie diverse. Così devo dire che è stata una sorpresa scoprire che la fisarmonica esisteva anche nel Regno Unito. Credo che aver studiato alla Academy mi ha dato molta libertà, come musicista, di esplorare non solo la musica per fisarmonica, perché ho avuto la possibilità di imparare molto da altri strumentisti. La musica da camera, ad esempio, è un genere che non avevo mai eseguito molto in Serbia, essendo soprattutto concentrato sul lavoro da solista. Questo è qualcosa che Owen Murray ha introdotto in un modo veramente grande sia nella musica classica che contemporanea, con tutte le possibili combinazioni strumentali. E molto presto nella mia vita ho formato partnership che sono ancora attive, alcuni di loro dopo sette o otto anni. Combinazioni diverse come fisarmonica e violino, fisarmonica e quartetto d’archi, che è molto popolare, fisarmonica e trii di archi, e anche quintetti di tango, che mi piacciono particolarmente grazie alla quantità di repertorio che c’è da esplorare. Mi rattrista sentire che alcuni musicisti, sia qui che all’estero, sono annoiati. Trovano queste attività eccitanti ma di routine. Certo diventa un lavoro, ma io credo che lavorare in questi gruppi sia molto formativo e ogni fisarmonicista dovrebbe provare – non solo con gruppi di tango o di classica – perché essere parte di un ensemble è molto diverso dal lavoro solista. Devi imparare a lavorare con la gente e per imparare ad assorbire nuove idee, imparare a dare ciò che sai e accettare le cose nuove. Questo è qualcosa che trovo davvero grande. L’Accademia è stato grande per questo, perché ogni anno siamo stati semplicemente coinvolti in diversi progetti. Alcuni all’interno dell’Accademia e alcuni all’esterno, ma quando si suona con quei suonatori si vorrebbe farlo ancora. Si potrebbe parlare dei repertori, a volte suonarli, a volte no, ma ognuno di noi assumeva la consapevolezza di ciò che era possibile e ciò che non lo era. Questo è stato davvero fantastico e nella musica da camera, anche ora, dopo aver passato tutto, trovo ci sia ancora molto da imparare, ma dopo aver suonato e ascoltato tanto come musicista mi ha reso ancora più ricco… per esperienza, ovviamente parlare è una cosa ma quando si va sul palco è un’altra.

Riguardo alla performance da solista c’è una scena molto forte nel Regno Unito per la musica contemporanea. Una cosa grande nel Regno Unito è stato lavorare con compositori e lavorare su nuovi pezzi. Ancora una volta questo è qualcosa che ha introdotto Owen Murray. Ha reso molto chiaro a tutti noi che è stato un passo molto importante per noi lavorare con nuovi compositori, per dare allo strumento un’identità e creare la consapevolezza generale dei repertori originali e contemporanei.

Tu sei rispettato nel mondo della musica contemporanea per fisarmonica. Hai recentemente contribuito, insieme ad altri esponenti di questo scenario, al libro di Claudio Jacomucci “Modern Accordion Perspectives”. Cosa rende buono, secondo te, un pezzo di musica contemporanea per fisarmonica?

Credo che esistano molti buoni lavori ed è difficile suonarli tutti durante le performance di una vita intera. Sono cresciuto con molte influenze russe, che sono allo stesso tempo romantiche ma anche tecnicamente e musicalmente impegnative. Per me la cosa importante è capire l’idea del compositore. Non solo capire cosa avrebbe voluto o casa avrebbe preferito. Io credo che è sempre possibile eseguire un po’ meglio un buon pezzo ma è molto difficile eseguire un grande pezzo da una non buona composizione.

Quando lavoro con i compositori cerco di mostrare loro tutto ciò che lo strumento può fare e di suonare tutto, ma alla fine chiedo loro semplicemente di scrivere quello che vogliono. Cerco di spiegare le cose, per quanto posso, ma poi dico loro di scrivere senza limiti e se abbiamo bisogno di ridurre o di aggiungere alcune cose lo facciamo insieme. Questo è l’approccio che ho avuto un paio di settimane fa nei confronti di un un concerto per fisarmonica e archi. Non abbiamo davvero cambiato molte cose. Penso che quando si lavora con un compositore si possono dare alcune delle proprie idee, ma non vorrei essere un compositore, semplicemente perché per esserlo si deve essere forte nei confronti dell’idea, nello stesso modo in cui un artista deve essere forte nei confronti di una performance, anche se il pezzo è un errore (ride). Con i compositori ho i miei limiti. La riduzione e gli arrangiamenti sono una cosa, ma la composizione è diversa. Credo che con i repertorio russo tendono ad avere prima un’idea e poi una composizione che una composizione e poi un’idea. A volte rimango un po’ deluso deluso quando i compositori scrivono un intero pezzo e poi mi danno un titolo e non avevo in mente fin dall’inizio l’idea che potevano esplorare. Il titolo arriva alla fine. Per me dovrebbero essere collegati, ma nel modo giusto. Posso capire che quando ascoltano potrebbero dire “non è giusto, potrebbe essere blu” ( ride ), ma in quel repertorio russo, che è molto forte alla base, non si fa nulla solo perché deve essere fatto (ridacchia), sotto ci sono idee chiare, ovviamente… no, forse non ovviamente…

Le composizioni russe hanno un’idea fin dall’inizio…

Sì e possono essere d’accordo oppure no con questa…

Ma l’dea è chiara fin dall’inizio…

Sì, nella loro testa… e non necessariamente soltanto il repertorio russo, ma alcuni repertori di quella parte di mondo hanno delle caratteristiche distintive…

Una identità…

Sì, ma è come un viaggio all’interno della loro composizione…idee musicali molto diverse, che si incontrano bene quando sono combinate. Se l’idea principale sottostante è molto forte rende molto facile all’esecutore… esplorare e contribuire. È come leggere un libro. Si sa cosa aspettarsi, ma poi improvvisamente salta fuori qualcosa che è una sorpresa… è più facile da capire suonando piuttosto che spiegarlo a parole. Mi auguro che abbia un senso.

Prima hai accennato alla musica da camera e agli ensemble con cui lavori: The Kosmos Trio, The London Tango Quintet, e Paprika ovviamente. Ti piace suonare una gamma diversificata di musiche. Come riesci a gestire tre ensemble così diversi epa tua attività di concertista solista?

Questi tre gruppi sono quelli che hanno delle basi regolari, ma ci sono molti altri progetti molto interessanti e ai i quali ogni anno devo imporre un limite, perché ognuno di loro ha bisogno di molto tempo. Le prove, la ricerca del repertorio, provare e sperimentare per i concerti. Sono d’accordo, alcuni di loro sono molto diversi in termini di di stile. Ovviamente il repertorio solista è quello sul quale devo lavorare maggiormente: è il più difficile perché non importa quante volte lo suono, devo mantenerlo fresco. Anche dopo dieci anni devi eseguire quel repertorio come la prima volta. A volte può essere più difficile che lavorare sul nuovo repertorio. Ora con Kosmos siamo violino, viola e fisarmonica e cerchiamo di combinare World Music con classica. World Music include tango argentino, musica balcanica, e la musica balcanica racchiude molti stili. La musica serba ha forti radici popolari. Dalla seconda guerra mondiale è diventata molto popolare. La fisarmonica serba ha sei file di bottoni come quella che suona Zika [Zivorad Nikolic]. Questo modello è stato creato per quella parte di mondo, adatto per riprodurre musica folk e canzoni. La musica tradizionale per fisarmonica è molto diffusa lì, ma è anche eseguita con strumenti a corda. Ciò che è grande circa il Regno Unito è che ho trovato i musicisti per il Kosmos Trio. Harriet Mackenzie (violino), Meg Hamilton (viola) sono entrambi musicisti classici, ma hanno un interesse per questa musica e hanno lavorato su di esso e anche studiato in Bulgaria e Romania ed entrambi suonano spesso in questi paesi. La musica è molto tecnica e difficile in termini di stile e davvero molto lontano dalla classica, la sensazione è o qualcosa che hai o qualcosa che è molto difficile da ottenere . È fantastico che lo abbiamo fin dall’inizio e tutto il resto è solo pratica.

Vi occupate voi degli arrangiamenti?

Sì.

È qualcosa che condividi o che fai da solo?

Lo facciamo insieme. Ciò che facciamo, e che in concerto è molto bello da sentire quando funzionano, è che li puliamo. C’è sempre qualcosa che ha bisogno di essere pulito e quando suoniamo, sia per amici o per altri musicisti, è sempre importante avere le loro opinioni, sia in riferimento alla musica classica che al repertorio di world music. È molto interessante, perché in quel gruppo cerchiamo di coprire un ampio raggio di stili in novanta minuti di musica. All’interno di questi ci sono pezzi eseguiti soltanto con fisarmonica, oppure viola o violino, oppure un pezzo per tutti e tre. Non si può piacere a tutti, ma è meglio dare più che di meno, almeno questo è il modo in cui il pubblico sembra apprezzare. Si sentono come se fossero stati all’estero e nel Regno Unito hanno musica classica e poi World Music. Con World Music voglio dire tutto il resto e per loro questo è interessante. Abbiamo alcune sezioni che sono molto aperte, per l’improvvisazione, abbiamo molta libertà di esplorare le cose, a volte l’improvvisazione, a volte puramente classica. Non vorremmo suonare qualcosa che non sentiamo. Poi il quintetto Tango è un’altra cosa.