La tua formazione musicale ha avuto un ruolo cruciale nello sviluppo della tua carriera e del tuo stile distintivo. Puoi raccontarci come hai iniziato il tuo percorso musicale e quali sono stati i momenti chiave della tua formazione?
Ho iniziato a suonare la fisarmonica all’età di cinque anni a Baltimora, nel Maryland. Avevo un ottimo insegnante locale, Frank Bagrowski, che mi ha guidato alla scoperta dello strumento. Ho iniziato davvero come improvvisatore alla fisarmonica e imparavo gli standard che mia madre poteva cantare e trovavo il modo di creare armonie e melodie per accompagnare la melodia. A mia memoria, la fisarmonica è stata la cosa più facile che abbia mai imparato. Mi è sembrato di capirla fin dalla prima volta che l’ho presa in mano ed è tuttora il mio strumento preferito, con il pianoforte che si mantiene in seconda posizione.
Ogni musicista è influenzato da insegnanti e mentori che lasciano un segno indelebile nella loro carriera. Chi sono stati i tuoi maestri e quali influenze hanno maggiormente plasmato il tuo approccio alla musica?
Ho avuto molti mentori e insegnanti che mi hanno aiutato. All’università, il dottor Stuart Gordon è stato influente nell’imparare a superare la mia resistenza al pianoforte classico e mi ha preso come studente; egli ha avuto una grande influenza sul mio sviluppo sia nel piano jazz, sia nella fisarmonica. Di mentori ne ho avuti tanti. Il primo è Pat Metheny, che ho conosciuto all’Università di Miami. Nel corso degli anni ho lavorato con lui come produttore e orchestratore per film di cui ha composto la colonna sonora e su uno dei suoi ultimi dischi orchestrali. Mi ha invitato a partecipare al tour di Secret Story all’inizio degli anni Novanta e mi ha incoraggiato a suonare l’intro di fisarmonica solista per la sua canzone Antonia, che è stata una svolta per me su quello strumento. Ogni sera improvvisavo le intro partendo da una piccola ispirazione del luogo o da una chiave suggerita dal luogo stesso. Mi piacerebbe fare un album composto solo dalle introduzioni dei diversi brani, senza mai arrivare alla canzone vera e propria. Anche Mike Brecker è stato un importante mentore e ho potuto arrangiare e produrre le sue ultime due registrazioni. Ho suonato la fisarmonica nei suoi tour con il quintetto e con il suo sestetto. Mike era già un appassionato dello strumento grazie al suo interesse per la musica bulgara e per il gruppo Farmer’s Market. Era previsto un disco di sue composizioni basate su queste influenze, ma non ci siamo riusciti a causa della malattia di Mike. Anche Jim Hall è stato un mentore e ho lavorato nel suo quartetto per diversi anni al pianoforte e al synth. Gli ho anche fatto da assistente in un progetto classico da lui composto, ho diretto l’orchestra con lui e ho suonato due duetti con lui in un album intitolato Dialogues dove ha composto un pezzo specifico per la fisarmonica basso che gli avevo detto di avere e un duetto chiamato Erb Update.
Nel corso degli anni, il tuo stile musicale si è evoluto e ha abbracciato diversi generi e influenze. Come descriveresti l’evoluzione del tuo stile musicale e quali elementi ritieni fondamentali nel tuo lavoro?
Guardando indietro, credo di avere un forte interesse per la musica vocale quanto per quella strumentale. Alcuni dei miei momenti di maggior orgoglio sono stati suonare e arrangiare dischi di cantanti. Il primo è Abbey Lincoln e il suo disco Abbey Sings Abbey. Ho fatto un arrangiamento per Placido Domingo della canzone Chansonne de Vieux Amants, con la fisarmonica. Ho anche orchestrato un disco per Juliette Greco intitolato Le Temps d’un Chansonne, che presentava alcuni momenti di fisarmonica molto coinvolgenti. E probabilmente il cantante con cui ho lavorato di più, Bobby McFerrin, per il quale ho prodotto e arrangiato l’album Beyond Words e il suo tributo al padre, che cantava l’opera e gli spiritual, intitolato Spirityouall. La fisarmonica ha trovato spazio in quasi tutti i brani in modi molto sottili e sorprendenti.
Sei noto per la tua capacità di fondere vari generi musicali, creando un sound unico e distintivo. Qual è la tua filosofia quando si tratta di combinare diversi generi musicali, e come riesci a mantenere un equilibrio tra di essi?
Non faccio distinzioni tra i generi musicali. Amo le migliori qualità di ciascuno e cerco di enfatizzarle e sintetizzarle in ogni occasione. La scrittura e l’arrangiamento di buone canzoni colmano ogni divario e io cerco di cavalcare l’onda tra ogni genere. Di recente, ho scoperto, grazie ad alcuni giovani entusiasti che frequentavano il campo d’arte di mia moglie, la musica di Taylor Swift e l’entusiasmo che hanno espresso imparando a suonare insieme su alcune delle sue composizioni è stata un’esperienza che mi ha aperto gli occhi. A loro è piaciuto molto il fatto che io li suonassi con la fisarmonica e l’ho trovato uno strumento perfetto per alcune delle sue canzoni, infatti mi sono chiesto perché non ne abbia una nella sua band. Sarebbe una bellissima aggiunta, secondo me!
Come fisarmonicista e collaboratrice di “Strumenti & Musica”, posso dire che la fisarmonica è uno strumento affascinante e forse sottovalutato nel mondo del jazz e della musica contemporanea. Cosa ti ha portato a interessarti alla fisarmonica e come hai integrato questo strumento nella tua musica?
Penso che la fisarmonica sia sottovalutata in generale nella comunità musicale. Basta un po’ di ispirazione per trovare il modo di inserirla in tutta la musica jazz e contemporanea. È il complemento perfetto per gli strumenti a fiato, a corda e anche per gli ottoni. È probabilmente il motivo per cui, senza suonare uno degli strumenti di queste categorie, mi sento in grado di capire come scrivere per quegli strumenti.
Quali sono le qualità essenziali che cerchi in una fisarmonica? Potresti parlarci del tuo modello preferito e spiegare come incide sulla tua performance musicale? Sei sempre stato all’avanguardia, esplorando nuovi territori musicali e collaborazioni innovative. Puoi darci un’anteprima dei tuoi progetti futuri? Ci sono nuovi album, collaborazioni o esperimenti musicali che stai preparando?
Tutte le qualità che cerco nella fisarmonica sono contenute nelle fisarmoniche che amo di Victoria Accordions. Ho fatto due tournée con Richard Galliano come pianista e fisarmonicista e lui mi ha messo in contatto con quell’azienda e questo è stato un grande passo avanti nella mia capacità di comunicare con la fisarmonica. C’era così tanto in quegli strumenti che era assente nelle fisarmoniche che avevo prima. Sono sempre alla ricerca di una collaborazione innovativa. Ho una o due idee vaghe di progetti solisti per il futuro e sto valutando una combinazione di pianoforte, fisarmonica e arrangiamento con me stesso in ogni ruolo. Restate sintonizzati per i dettagli futuri.
La musica continua a evolversi, e i musicisti come te sono spesso al centro di questo cambiamento. Come vedi il futuro della musica, specialmente per strumenti come la fisarmonica, e quali consigli daresti ai giovani musicisti che vogliono innovare e sperimentare durante il loro percorso?
Vedo il futuro della musica come il graduale sviluppo che ha sempre avuto. Dobbiamo essere influenzati dai grandi musicisti che ci hanno preceduto e poi dobbiamo essere in grado di fare un piccolo salto nella prospettiva del futuro. Non c’è progresso senza l’ispirazione del passato e le conoscenze che ne traiamo. La fisarmonica sta per arrivare al suo vero giorno di gloria. Vorrei prendermi qualche merito, ma ci sono molti grandi maestri che ci ispirano e ci fanno progredire. Mi piace in particolare Joao Barradas, che è un vero virtuoso e molto all’avanguardia nei generi jazz e classico. Qualche anno fa mi ha invitato a scrivere un arrangiamento per i Giant Steps e io ho proposto un brano che abbiamo registrato intitolato Tiling the Plane. Sono molto orgoglioso del duetto che abbiamo realizzato e che si trova in uno dei suoi album e anche su YouTube con un video della nostra sessione di registrazione. La fisarmonica sta per diventare una forza importante in tutti i diversi stili musicali e il duro lavoro e la convinzione sono le due cose che lo renderanno possibile. Oh, e anche una generosa dose di immaginazione e talento.
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Notes of genius and creativity
Interview with Gil Goldstein
Gil Goldstein is a renowned American musician, composer, arranger and producer whose eclectic career has left an indelible mark on the world of contemporary music. Born in Baltimore (Maryland) in 1950, Goldstein showed an extraordinary passion for music from an early age, beginning his education on the piano. His thirst for musical knowledge led him to attend the prestigious Berklee College of Music in Boston, where he honed his skills in composition, arranging and jazz. Goldstein is known for his incredible versatility, which has seen him collaborate with some of the biggest names in music, including Pat Metheny, Michael Brecker, Al Jarreau, Jaco Pastorius and Wayne Shorter. These collaborations have ranged from jazz to fusion, classical and world music, demonstrating his unique ability to cross and blend different musical genres with mastery. Goldstein has received numerous awards and accolades for his work, including several Grammy Awards, attesting to his excellence as an arranger and producer. One of Gil Goldstein’s peculiarities is his deep interest in the accordion, with which he has explored new sounds and enriched his repertoire, adding a unique dimension to his performances and recordings. His ability to play this instrument has allowed him to create innovative arrangements and to distinguish himself as a multifaceted artist. Immerse yourself in his world by reading the interview I had the pleasure of doing with him.
Your musical training played a crucial role in the development of your career and your distinctive style. Can you tell us how you started your musical journey and what were the key moments in your training?
I started playing accordion at age five in Baltimore Maryland. I had a very good local teacher, Frank Bagrowski, who guided my discovery of the instrument. I truly started as an improviser on the accordion and would learn standards that my mother could sing and find a way to create harmonies and melodies to accompany the melody. In my memory, accordion was the easiest thing I ever learned. I seemed to understand it from the first time I held it and it is still my favorite instrument, with piano holding steady at the second position.
Every musician is influenced by teachers and mentors who leave an indelible mark on their career. Who were your teachers and what influences have most shaped your approach to music?
I had many mentors and teachers that helped me. In college, Dr. Stuart Gordon was influential in my learning how to overcome my resistance to classical piano and took me on as a student and it was a great influence on all my development in jazz piano and accordion after that point. Mentors, I have had so many. First is Pat Metheny who I met at the University of Miami. I have worked with him over the years as a producer and orchestrator on films he composed and on one of his last orchestral records. He invited me to join the Secret Story tour in the early 90s and encouraged me to play solo accordion intros to his song “Antonia”, which was a breakthrough for me on that instrument. I improvised each intro from a small inspiration each night of either the place or a key that was suggested by the place. I would love to do an album of all intros to different songs and never make it to the actual song. Mike Brecker was also a significant mentor and I was able to arrange and produce his last two recordings. I played accordion on his quintet tours and with his sextet. Mike was already a fan of the instrument through his interest in Bulgarian music and the group “Farmer’s Market”. It was planned to do a record of his compositions based on those influences but we couldn’t reach that point due to Mike’s illness. Jim Hall was also a mentor and I worked in his quartet for several years on piano and synth. I also assisted him on a classical project he composed and conducted the orchestra with him and played 2 duets with him on an album called “Dialogues” where he composed a piece specifically for the bass accordion which I had told him I had and a duet called “Erb Update”.
Over the years, your musical style has evolved and embraced different genres and influences. How would you describe the evolution of your musical style and what elements do you consider fundamental in your work?
Looking back, I think I have a strong interest in vocal music as much as instrumental music. Some of my proudest moments are playing and arranging on records of singers. First is Abbey Lincoln and her record “Abbey Sings Abbey”. I did an arrangement for Placido Domingo on the song “Chansonne de Vieux Amants” which featured accordion. And also orchestrated a record for Juliette Greco called “Le Temps d’un Chansonne” which featured some fulfilling accordio moments. And probably the singer I worked the most time with, Bobby McFerrin. I produced and arranged his album “Beyond Words” as well as his tribute to his father who sang opera and spirituals, called “Spirityouall”. Accordion found it’s way onto almost all of the tracks in very subtle and surprising ways.
You are known for your ability to blend various musical genres, creating a unique and distinctive sound. What is your philosophy when it comes to combining different musical genres, and how do you manage to maintain a balance between them?
I don’t distinguish between musical genres. I love the best qualities of each and try to emphasize and synthesize at every opportunity. Good song writing and arranging bridges every gap and I try to ride that wave between each genre. I recently discovered through some enthusiastic young people attending my wife’s art camp, the music of Taylor Swift and the excitement that they expressed and learning to play along with a few of her compositions was an eye opening experience. They actually loved that I was playing accordion on it and I found it a perfect instrument for some of her songs and wondered why she doesn’t have one in her band. It would be a beautiful addition IMO!
As an accordionist and contributor to “Strumenti & Musica”, I can say that the accordion is a fascinating and perhaps underrated instrument in the world of jazz and contemporary music.What led you to become interested in the accordion and how did you integrate this instrument into your music?
I think accordion is underrated in general in the musical community. You only need a little inspiration to find a way to include it into all jazz and contemporary music. It is the perfect complement to wind instruments, string instruments, and also brass. It is probably the reason that I have a good idea without playing one of the instruments in those categories that I feel I understand how to write for those instruments.
What are the essential qualities you look for in an accordion? Could you tell us about your favourite model and explain how it affects your musical performance? You have always been on the cutting edge, exploring new musical territories and innovative collaborations. Can you give us a preview of your future projects? Are there any new albums, collaborations or musical experiments you are preparing?
All the qualities that I look for in accordion are contained in the accordions I love from Victoria Accordions. I did two tours with Richard Galliano as a pianist and accordionist and he connected me with that company and that was a major step forward in my ability to communicate on the accordion. There was so much in those instruments that was absent in accordions that I had previously. I am always sending out the search light for an innovative collaboration. And I have one or two vague ideas of solo projects for the future and am looking at a combination of piano, accordion and arranging with myself in each capacity. Stay tuned for future details.
Music continues to evolve, and musicians like you are often at the centre of this change. How do you see the future of music, especially for instruments like the accordion, and what advice would you give to young musicians who want to innovate and experiment on their path?
I see the future of music as the gradual unfolding that it has always been. We need to be informed by the great musicians who came before us and then we must be able to approach making a little leap in the direction of the future. There is no advancement without the inspiration of the past and the information that we take from it. Accordion is on the cusp of its true day in the sun. I would like to take some credit but there are many great masters that keep us inspired and pulling us forward. I partiularly like Joao Barradas who is a true virtuoso and very much on the cutting edge of jazz and classical genres. He invited me a few years back to write an arrangement for Giant Steps and I came up with a song we recorded called “Tiling the Plane”. I am very proud of the duet that we produced and it is on one of his albums and also on YouTube with a video of our recording session. The accordion is on the path to be a major force in all different musical styles and hard work and conviction are the two things that will make it happen. Oh, and also a generous helping of imagination and talent.