La musica da camera e orchestrale sono l’acme per un fisarmonicista

Iñaki Alberdi è uno fra i nomi più altisonanti della fisarmonica spagnola, blasonato anche in ambito internazionale. Musicista particolarmente sensibile, sempre fucina di idee brillanti, dal suo stile emerge una spiccata identità e una forte personalità che, abbinate a una fervida immaginazione, a un’ipnotica comunicativa, a una cura sopraffina della dinamica e a un sapiente utilizzo della palette timbrica, lo rendono riconoscibile. Inoltre, nella sua concezione, ritiene che la musica da camera e orchestrale siano la stella polare per un fisarmonicista. Molto attivo sia come concertista che nel ruolo di docente, Alberdi si racconta attraverso alcune fra le esperienze più importanti che hanno segnato la sua eccellente carriera.

Nel corso della tua attività hai collaborato con numerosi musicisti di assoluto valore, oltre ad aver eseguito in prima assolute opere di Sofia Gubaidulina, Karlheinz Stockhausen, Luis de Pablo, Joan Guinjoan, Gabriel Erkoreka, Ramon Lazkano, Jesús Torres, Pascal Gaigne, Alberto Posadas, Federico Jusid e José María Sánchez-Verdú. Dal punto di vista artistico e umano, quale di questi musicisti ha arricchito di più il tuo bagaglio esperienziale?

Sono personalità di grande impatto. Tutti mi hanno influenzato molto: la forza e la vivacità di Gubaidulina, la saggezza di Luis de Pablo, la tenacia e l’affetto di Guinjoan, la vicinanza e il temperamento di Erkoreka, il costante apprezzamento del mio lavoro e la vicinanza con Torres, l’ammirazione che Sánchez-Verdú e Federico Jusid mi dimostrano costantemente, nonché la perfetta sintonia lavorativa con quest’ultimo. Tutti, ribadisco, mi hanno influenzato direttamente e insieme mi hanno reso il musicista che sono oggi.

Nel 2012 sei stato nominato al “Gramophon Editor’s Choice Award” per la tua registrazione monografica su Sofia Gubaidulina, nel 2015 la registrazione di Exceptional Scherzo Recording per i “Conciertos para acordeón y orquesta” con l’Orchestra Nazionale Spagnola di Spagna sotto la direzione di Nacho de Paz e, nel 2017, il CD Melómano de Oro dei Sensations per l’etichetta IBS. Potresti raccontare gli aneddoti più interessanti legati a queste tre esperienze importanti?

Nel primo album Sofía Gubaidulina era presente durante tutta la registrazione. Poi mi ha invitato a casa sua vicino ad Amburgo. Da lì abbiamo instaurato un rapporto stretto e amichevole, quindi lei è venuta in Spagna per ascoltarmi mentre suonavo e dirigevo la sua musica. Nel secondo album è stato necessario registrare ciascuno dei quattro concerti in un’ora e dieci minuti, con un’ora di prove per ognuno di essi. Senza dubbio una grande sfida, infatti attualmente è il mio album preferito. E la terza, l’opportunità di registrare un disco che mostrasse la fisarmonica attraverso la storia della musica, dal XVII al XXI secolo.

Ti sei esibito in molte sale da concerto prestigiose, così come in vari festival in tutto il mondo. Che tipo di riscontri hai avuto da parte del pubblico e della critica?

Nella mia esperienza degli ultimi trent’anni, penso che l’Europa – in generale – abbia maturato un concetto sbagliato del Sud America. Indubbiamente è un continente con una lunga storia culturale e con una sensibilità speciale per la musica e la fisarmonica. In Europa incontro generalmente grandi organizzatori, professionisti e un pubblico molto colto, soprattutto verso la “nuova” musica, che è l’ambito in cui ho lavorato di più in questo continente. Mentre in Asia ho visto una voglia enorme di crescere e apprendere con una curiosità senza limiti.

Sei spesso ospite di diverse orchestre internazionali a tutte le latitudini. Dal punto di vista tecnico e interpretativo, quali sono le maggiori difficoltà da affrontare in un contesto orchestrale?

A mio avviso, la musica da camera e l’orchestra rappresentano le massime espressioni artistiche per la fisarmonica. Richiedono una formazione molto completa e una conoscenza totale della partitura. L’orchestra richiede una dedizione assoluta per molto tempo. Poi credo che sia importante intendere appunto l’orchestra come la vita stessa, con momenti in cui devo rimanere in silenzio, ascoltare, dare fiducia a tutti e proporre, oppure argomentare e conseguentemente convincere proprio su un argomento che possa mettere d’accordo tutti.

Oltre ad un’intensa attività concertistica sei molto impegnato nel ruolo di docente. Applichi un tuo metodo di insegnamento specifico o utilizzi un sistema didattico personalizzato in base alle attitudini dei tuoi studenti?

Credo nella didattica personalizzata, nello studio delle caratteristiche di ciascuno quando si parla di musica, e mi piace fare proposte basate sull’iniziativa musicale dell’allievo. Parallelamente alla mia attività di insegnante presso Musikene – Centro Superiore di Musica dei Paesi Baschi, ho creato una piattaforma con più di cinquanta studenti provenienti da quindici Paesi, dove mostro loro tutti i livelli, li spiego come possono lavorare in totale autonomia e in modo progressivo, oltre a domande fondamentali riguardanti il ​​controllo dello strumento e della tecnica. Sono questioni basilari che non interferiscono con il lavoro e con i loro insegnanti, ma consentono a loro di avere una maggiore libertà in termini di migliore controllo sul proprio strumento e sulla propria tecnica.

Parlando del tuo strumento, quale modello di fisarmonica usi in studio di registrazione e nei concerti?

Suono sempre un Pigini – Mythos nº 26.

Quali sono i tuoi impegni artistici per l’immediato futuro?

Ho iniziato a registrare un album basato sulla musica popolare basca eseguita nella prima metà del XX secolo, con i miei arrangiamenti. Penso che possa aiutare a unire questi due mondi: quello della musica che allora si condivideva attraverso la fisarmonica con il mondo dell’accordion di oggi, uno strumento molto più evoluto che offre diverse varianti e forme di interpretazione proprio di quella musica. Uscirà anche il mio nuovo CD con il Concerto per Arpa di Alberto Ginastera in una versione per fisarmonica, con l’Orchestra Sinfonica di Navarra diretta da Federico Jusid. Inoltre terrò concerti con la Filarmonica Reale della Galizia e l’Orchestra Nazionale dell’Uruguay – SODRE, a Montevideo.

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Chamber and orchestral music are the pinnacle for an accordionist

In Iñaki Alberdi’s artistic vision, chamber and orchestral music represent the highest form of expressing oneself with the bellows

Iñaki Alberdi is one of the most high-sounding names of the Spanish accordion, also renowned internationally. A particularly sensitive musician, always a hotbed of brilliant ideas, a strong identity and a strong personality emerge from his style which, combined with a fervent imagination, hypnotic communication, a refined attention to dynamics and a skillful use of the timbre palette, make him make them recognizable. Furthermore, in his conception, he believes that chamber and orchestral music are the guiding star for an accordionist. Very active both as a concert performer and as a teacher, Alberdi talks about himself through some of the most important experiences that have marked his excellent career.

During your activity you have collaborated with numerous musicians of absolute value, as well as having premiered works by Sofia Gubaidulina, Karlheinz Stockhausen, Luis de Pablo, Joan Guinjoan, Gabriel Erkoreka, Ramon Lazkano, Jesús Torres, Pascal Gaigne, Alberto Posadas, Federico Jusid and José María Sánchez-Verdú. From an artistic and human point of view, which of these musicians has enriched your experiential baggage the most?

They are personalities of great impact. They all influenced me a lot: the strength and liveliness of Gubaidulina, the wisdom of Luis de Pablo, the tenacity and affection of Guinjoan, the closeness and temperament of Erkoreka, the constant appreciation of my work and the closeness with Torres, the admiration that Sánchez-Verdú and Federico Jusid constantly show me, as well as the perfect working harmony with the latter. Everyone, I repeat, influenced me directly and together made me the musician I am today.

In 2012 you were nominated for the “Gramophon Editor’s Choice Award” for your monographic recording on Sofia Gubaidulina, in 2015 the recording of Exceptional Scherzo Recording for the “Conciertos para acordeón y orquesta” with the Spanish National Orchestra of Spain under the direction of Nacho de Paz and, in 2017, the CD Melómano de Oro by Sensations for the label IBS. Could you tell the most interesting anecdotes related to these three important experiences?

On the first album Sofía Gubaidulina was present throughout the recording. Then he invited me to his house near Hamburg. From there we developed a close and friendly relationship, so she came to Spain to listen to me play and conduct her music. On the second album it was necessary to record each of the four concerts in one hour and ten minutes, with an hour of rehearsals for each of them. Without a doubt a great challenge, in fact it is currently my favorite album. And the third, the opportunity to record a record that showcased the accordion through the history of music, from the 17th to the 21st century.

You have performed in many prestigious concert halls, as well as at various festivals around the world. What kind of feedback have you had from the public and critics?

In my experience of the last thirty years, I think that Europe – in general – has developed a wrong concept of South America. Undoubtedly it is a continent with a long cultural history and with a special sensitivity for music and the accordion. In Europe I generally meet great organizers, professionals and a very cultured audience, especially towards “new” music, which is the area in which I have worked the most on this continent. While in Asia I saw an enormous desire to grow and learn with limitless curiosity.

You are often a guest of various international orchestras at all latitudes. From a technical and interpretative point of view, what are the main difficulties to face in an orchestral context?

In my opinion, chamber music and orchestra represent the highest artistic expressions for the accordion. They require very complete training and total knowledge of the score. The orchestra requires absolute dedication for a long time. Then I believe that it is important to understand the orchestra as life itself, with moments in which I have to remain silent, listen, trust everyone and propose, or argue and consequently convince on a topic that can make everyone agree.

In addition to an intense concert activity, you are very busy in the role of teacher. Do you apply your own specific teaching method or use a personalized teaching system based on the aptitudes of your students?

I believe in personalized teaching, in the study of each person’s characteristics when it comes to music, and I like to make proposals based on the student’s musical initiative. In parallel with my teaching activity at Musikene – Higher Music Center of the Basque Country, I have created a platform with more than fifty students from fifteen countries, where I show them all the levels, explaining how they can work in total autonomy and in a progressive way, as well as basic questions regarding instrument and technique control. These are basic issues that do not interfere with their work and their teachers, but allow them to have greater freedom in terms of better control over their instrument and technique.

Speaking of your instrument, which model of accordion do you use in the recording studio and in concerts?

I always play a Pigini – Mythos nº 26.

What are your artistic commitments for the immediate future?

I started recording an album based on Basque folk music performed in the first half of the 20th century, with my own arrangements. I think it can help unite these two worlds: that of the music that was then shared through the accordion with the world of the accordion today, a much more advanced instrument that offers different variations and forms of interpretation of that music. My new CD will also be released with Alberto Ginastera’s Harp Concerto in an accordion version, with the Navarra Symphony Orchestra conducted by Federico Jusid. I will also hold concerts with the Royal Galician Philharmonic and the National Orchestra of Uruguay – SODRE, in Montevideo.

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