Fisarmonica: architettura del futuro (2 ͣ parte)

Si va delineando così la figura di un fisarmonicista colto, che sa orientarsi in uno spazio artistico e professionale cangiante, con le radici ancorate ad un sapere multidisciplinare, tale da saper creare senso nello scenario in cui si muove. Ecco allora la necessità di un solido impianto formativo volto ad educare consapevolezza e mentalità artistica e scientifica allo stesso tempo, fondato su una concezione del fare musica come dimensione dell’essere umano e dello studio come percorso interiore, come evoluzione della mente e della coscienza, come conquista di chiavi di lettura e come ricerca, condizione indispensabile di ogni esperienza artistica e formativa, così come nella vita stessa.

Si tratta di affrontare il tema della interdipendenza della sfera artistica con quella pedagogica, uscendo finalmente dalla consuetudine che le vuole sterilmente disconnesse, in una visione ampia che comprenda tutte le dimensioni di un percorso di apprendimento, osservate nelle reciproche influenze, da quella più strettamente legata all’infanzia fino all’autoformazione del concertista e alla competenza dell’insegnante.

Negli ultimi anni, l’evoluzione esponenziale del repertorio ha evidenziato tante identità musicali: ognuna implica idea di suono, di scrittura e di prassi esecutive diverse, le cui basi devono essere coltivate dalla prima formazione. Proprio perché la crescita e la diffusione di ogni strumento sono strettamente legate al percorso formativo sin dalle sue prime fasi, si avverte fortemente l’esigenza di ampliare i materiali e la riflessione metodologica, non solo per ottimizzare l’apprendimento, ma anche per avvicinare i contenuti del percorso formativo a quelli delle pratiche musicali richieste dai repertori concertistici e risolvere la dicotomia strumento tradizionale – strumento da concerto che nei materiali didattici della tradizione sembra essere insormontabile.

Un’architettura della didattica fisarmonicistica è ormai chiaramente possibile, anzi doverosa. Sul piano dei repertori, l’insieme dei materiali musicali va costruito in modo da acquisire tutti i fondamentali tecnici e musicali, cioè quei principi essenziali che costituiscono le basi di tutti i possibili sviluppi delle abilità del fisarmonicista e delle specificità professionali, utilizzando linguaggi differenti e non esclusivamente quello tonale della tradizione popolare. Ogni conquista tecnica deve poter coinvolgere maturazione globale della musicalità e del gesto strumentale, consapevolezza espressiva, formazione del pensiero musicale e capacità analitica. Al pari degli altri strumenti (e forse maggiormente) è necessaria una didattica della sonorità per la costruzione di quel “suono nuovo” (forse il vero virtuosismo del fisarmonicista?) indispensabile e già in nuce, specialmente nei repertori della fisarmonica da concerto.

Sul piano della metodologia, le neuroscienze stanno mostrando le basi scientifiche dell’apprendimento musicale, per cui riceviamo indicazioni, riguardanti vari ambiti: la scelta e la creazione di materiali musicali, il loro impiego in una progettazione didattica a lungo termine, le tecniche di studio, l’organizzazione delle attività e dei contenuti della prima formazione in cui giocano un ruolo essenziale la musica di insieme, la composizione, l’improvvisazione; le tecniche di consapevolezza corporea indispensabili alla gestione tecnica della fisarmonica, alla percezione del movimento nell’esecuzione, all’acquisizione di una postura dinamica e funzionale (a prevenire e risolvere gli annosi danni di una postura fissa e inadeguata); le caratteristiche tecnico – foniche degli strumenti destinati ai bambini (tra cui spiccano dimensioni ergonomiche, note singole in entrambe le tastiere, un impianto tecnico-fonico coerente e un suono di qualità, sempre immediatamente rispondente al gesto). Ed è la Musica, affiancata dalle neuroscienze, che chiede una metodologia che non separi la tecnica dalla musica e la pedagogia dall’arte, oltre a una didattica che rifugga l’adesione a metodologie obsolete e stereotipate, che acquisisca, invece, il meglio delle metodologie empiriche e di quelle moderne e scientificamente fondate, per individuarne in progress una, non univoca ma multidimensionale, di compiuta appartenenza alla fisarmonica.

Se è vero che ogni metodologia implica una visione dell’Uomo e del suo rapporto con sé e con il mondo, allora osiamo rifiutare modelli pedagogici volti ad ammaestrare a riprodurre e pretendiamo un’educazione ad Essere, in una libertà creativa, interattiva, competente e consapevole. E proprio sul piano della consapevolezza non possiamo ignorare come la vera formazione si giochi sul piano della metacognizione, intesa come capacità di consapevolezza e gestione di tutti i processi attivi nella propria esperienza musicale: una risorsa indispensabile dagli esordi fino alla dimensione professionale.

Una tale architettura implica la costruzione di professionalità solide sul piano didattico, in una moderna visione della figura dell’insegnante che unisca alle qualità intuitive, empatiche e percettive, una forma mentis aperta alla ricerca e una rigorosa preparazione tanto sul piano musicale, quanto su quello metodologico.

Si tratterebbe, quindi, di una didattica adeguata a una coerente formazione del fisarmonicista? Non solo: non si può ignorare la funzione della fisarmonica come strumento privilegiato della formazione musicale di base, offerto fin dalla scuola per l’infanzia. Grazie alle sue caratteristiche tecnico – foniche, la fisarmonica regala infatti un’esperienza musicale, sensoriale ed espressiva di grande ricchezza: potenzia tutte le percezioni e la coordinazione motoria, sviluppa tutte le facoltà connesse alla relazione gesto – suono- orecchio – pensiero, permette all’esecutore di lasciare traccia di sé attraverso il movimento del corpo e del respiro trasformati in suono, favorendo così lo sviluppo della persona in tutte le dimensioni.

Saranno, allora, questi i colori che verranno? La fisarmonica porta in sé e nel suo sviluppo, costituzionalmente, il senso della creatività e della ricerca. Nelle sue camaleontiche trasformazioni dalle origini fino ai giorni nostri, nello studio del musicista, nel laboratorio del costruttore, nel lavoro dello studioso e dell’interprete, la fisarmonica racconta di un’umanità versatile e creativa, di un’arte quotidiana fatta di artigianato, di intuizione, di scintille di originalità insostituibili: una storia che è memoria e futuro allo stesso tempo.

Così, sappiamo di ogni gesto strumentale che è creazione estemporanea; di una sensorialità irrinunciabile e di un suono vitale che non può esistere senza corpo; di un corpo che non può vivere senza un pensiero, un sentire, un desiderare; di un corpo che parla oltre la parola e attraverso il suono; di un musicista che parla oltre il suono e la parola, attraverso il suo corpo-strumento.

La fisarmonica ci mostra la complessità della dimensione umana che proprio nell’arte rivela la potenza espressiva, trascinante e inarrestabile dell’Essere, quando questo si esprime autenticamente nella sua verità intima e profonda, fino a creare un’immagine di sé che è traccia e specchio di un’esperienza esistenziale unica. Racconta, nel suo essere, la fisarmonica, di una concezione dell’Essere indipendente, fiero e rivoluzionario nella sua libertà di intuire, pensare, cercare, costruire; una visione che è anche l’unica di un’arte possibile e l’unica possibile visione, ancor più rivoluzionaria quando l’impero tecnologico delle intelligenze artificiali sembra volgere – pare inesorabilmente – alla supremazia assoluta.

Ma il futuro è speranza e come la speranza trova i suoi semi nella profondità del presente: è nelle radici che in ogni oggi si fondano, nelle intuizioni, nelle proiezioni, negli orizzonti immaginati dai visionari, nella capacità di interrogare il mondo, nel desiderio più sottile, nell’espressione più semplice, nella risonanza di un pensiero e di un sentire, nel fare quotidiano dell’alveare, nella libertà di essere chi siamo indipendentemente dalle condizioni esterne.

Utopia? In una cultura di massa che tende a deformare le radici dell’umanità fino a cancellarne la memoria stessa, che celebra l’immediato e confonde l’apparire con l’essere, che standardizza immagini di successo, azzera le differenze e banalizza i valori fino a confondere i confini tra gli opposti?

Si tratta di pensare in termini di compimento e non di produzione, di ricollocare sul piano etico-artistico il sistema di valori intorno al quale muoversi, con il coraggio di sostenerlo e potenziarlo. Allora, la fisarmonica è lo strumento del futuro, testimone dei valori salvifici dell’umanità e delle radici più profonde dell’Arte e disegnare l’architettura di un siffatto futuro per il nostro strumento è come disegnare un futuro etico dell’umanità.

E allora, si sa: se puoi sognarlo, puoi farlo. E se non puoi sognarlo, puoi lasciare aperto uno spazio per il sogno che verrà.

 

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Accordion: architecture of the future (Part 2)

Planning or dreaming?

 

Here is the figure of a cultured accordionist, who knows how to orient himself in a changing artistic and professional space, with the roots anchored to a multidisciplinary knowledge, such as to know how to create sense in the scenario in which he moves. Here then is the need for a solid training system aimed at educating artistic and scientific awareness and mentality at the same time, based on a conception of making music as a dimension of the human being; in such fields, the study appears an inner path, as evolution of mind and consciousness, as conquest of reading keys, as research,  indispensable condition of every artistic and formative experience, as well as in life itself.

It is a question of addressing the theme of the interdependence of the artistic sphere with the pedagogical one, finally leaving the habit that wants them fruitlessly disconnected, in a broad vision that includes all the dimensions of a learning path, observed in the mutual influences, from the one more closely linked to childhood up to the self-training of the concert performer and the teacher competence. In recent years the exponential evolution of the repertoire has highlighted many musical identities: each one implies the idea of sound, writing and different performing practices, whose bases must be cultivated by the first formation.

Precisely because the growth and diffusion of each instrument are closely linked to the training path since its early stages, there is a strong need to expand the materials and methodological reflection, not only to optimize learning, but also to bring the contents of the training course to those of the musical practices required by concert repertoires and solve the dichotomy traditional instrument – concert instrument that in the teaching materials of tradition seems to be insurmountable.

An architecture of accordion teaching is now clearly possible, indeed dutiful. On the repertory level, all musical materials must be constructed in such a way as to acquire all technical and musical basics, that is, those essential principles that constitute the basis of all the possible developments of the accordion player’s skills and professional specificities, using different languages and not exclusively the tonal one of the popular tradition. Every technical achievement must be able to involve global maturation of musicality and instrumental gesture, expressive awareness, formation of musical thought and analytical ability. Like the other instruments (and perhaps more), it is necessary a training process in the field of the sound, for the construction of taht “new sound” (perhaps the true virtuosity of the accordionist?) indispensable and already in nuce,  especially in the repertoires of the classical accordion.

On the level of methodology, neurosciences are showing the scientific basis of musical learning, so we receive clear indications regarding a wide range of areas: the choice and creation of musical materials, their use in a long-term didactic design, the techniques of study, the organization of the activities and the contents of the first training in which chamber music, composition and improvisation play an essential role; the techniques of body awareness indispensable to the technical management of the accordion, to the perception of movement in the playng experience, to the acquisition of a dynamic and functional posture (to prevent and resolve the age-old damage of a fixed and inadequate posture);  the sound – technical characteristics of the instruments intended for children (among which stand out ergonomic dimensions, single notes in both keyboards, a coherent technical-sound system and a sound quality, always immediately responsive to the gesture).

And music, flanked by neuroscience, calls for a methodology that does not separate technique from music and pedagogy from art, as well as a teaching that avoids adhesion to obsolete and stereotyped methodologies, that instead acquires the best of empirical and modern methodologies and scientifically founded, to identify in progress one, not univocal but multidimensional, of full  belonging to the accordion.

If it is true that every methodology implies a vision of Man and his relationship with himself and with the world, then we dare to reject pedagogical models aimed at instructing to reproduce and demand an education to Be, in a creative, interactive, competent and conscious freedom. And precisely on the level of awareness we cannot ignore how true training is played on the level of metacognition, understood as the ability to awareness and management of all processes active in their musical experience: an indispensable resource from the beginning to the professional dimension.

Such architecture implies the construction of solid professionalism on the didactic level, in a modern vision of the figure of the teacher that combines the  intuitive, empathic and perceptive qualities, with a mindset open to research and a rigorous preparation on both the musical and methodological level.

Is it therefore a matter of teaching adequate to a coherent formation of the accordionist? Not only. We cannot ignore the function of the accordion as a special instrument of basic musical training, offered since childhood school.  Thanks to its technical – phonic characteristics, the accordion gives in fact a musical, sensorial and expressive experience of great richness: it enhances all perceptions and movement coordination, develops all the faculties related to the relationship gesture – sound- ear – thought, allows the performer to leave a trace of himself through the body movement and breath transformed into sound, thus favoring the development of the person in all dimensions.

Are these the colors that will come then?

The accordion carries within itself and in its development, constitutionally, the sense of creativity and research. In its chameleon transformations from the origins to the present day, in the studio of the musician, in the builder’s room, in the work of the researcher and the interpreter, the accordion tells of a versatile and creative humanity, of a daily art made of craftsmanship, intuition, sparks of irreplaceable originality: a history that is both memory and future at the same time.

Thus, we know that every instrumental gesture is an extemporaneous creation; we know an indispensable sensoriality and a vital sound that cannot exist without a body; we know a body that cannot live without a thought, a feeling, a desire; a body that speaks beyond the word and through the sound; a musician that speaks beyond the sound and the word, through his body-instrument.

The accordion shows us the complexity of the human dimension, which in art reveals the expressive, enthralling and unstoppable power of the human being, when he expresses himself authentically in its intimate and profound truth, until creating an image of himself that is the trace and the mirror of a unique existential experience. It tells, in its being the accordion, a conception of the human being independent, proud and revolutionary in its freedom to intuit, think, seek, build; a vision that is also the only one of a possible art and the only possible vision, even more revolutionary when the technological empire of artificial intelligences seems to turn – it seems inexorably – to absolute supremacy.

But the future is hope and as hope finds its seeds in the depth of the present: it is in the roots that in every day are founded, in the intuitions, in the projections, in the horizons imagined by the visionaries, in the ability to interrogate the world, in the most subtle desire, in the simplest expression, in the resonance of a thought and a feeling, in the daily making of the hive, in the freedom to be who we are regardless of external conditions.

Utopia? In a mass culture that tends to deform the roots of humanity to the point of erasing its own memory,  that celebrates the immediate and confuses appearing with being, that standardizes successful images, nullifies differences and trivializes values to the point of blurring the boundaries between opposites? It is about thinking in terms of fulfillment and not production, to put on the ethical-artistic level the system of values around which to move, with the courage to support and strengthen it. Then the accordion is the instrument of the future, witness of the salvific values of humanity and the deepest roots of Art and designing the architecture of such a future for our instrument is like designing an ethical future of humanity.

And then, you know, if you can dream it, you can do it. And if you can’t dream it, you can leave open a space for the dream that will come.

 

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