Proponiamo l’articolo incluso nella raccolta di saggi Fisarmonica: i colori che verranno, a cura di Renzo Ruggieri, per il PIF 2020.
Il Nuovo Centro Didattico Musicale Italiano, con la presidenza di Patrizia Angeloni, coinvolge i giovani fisarmonicisti dei Licei Musicali e dei Conservatori, rivolgendo loro una domanda stuzzicante: come vedi il presente della fisarmonica e cosa desideri per il suo futuro? (repertori, opportunità professionali e culturali, diffusione e organologia).
Un quesito a cui i ragazzi hanno aderito con notevole interesse presentandosi come una nuova generazione piena di idee e di prospettive, ma, allo stesso tempo, attenta alle fragilità del presente nella dimensione artistica e culturale della nostra contemporaneità. La percezione dell’essere fisarmonicista nello stato attuale della cultura e la fiducia in un suo continuo avanzamento nel mondo didattico e professionale, rivelano posizioni molto diverse da un’istituzione all’altra, a volte anche tra allievi della stessa istituzione, a conferma delle differenti riflessioni maturate dai ragazzi nelle proprie esperienze personali.
Essi provengono dai Licei Musicali di Conegliano (TV), Padova, Viterbo, Castelfranco Veneto (TV) e dai corsi propedeutici e accademici di vari Conservatori come Roma, Firenze, Latina, Avellino, Brescia (sede staccata di Darfo), Castelfranco Veneto (TV).
A partire dall’osservazione del presente, per alcuni di loro il contesto musicale odierno non trasmette un’immagine accattivante della fisarmonica, al contrario, il gusto medio della gente, non conoscendo le differenti possibilità esecutive dello strumento, lo confina ancora ad un unico genere: la musica da ballo e/o i repertori regionali di musica popolare. Le riflessioni di Matteo Burani e Eleonora Sanso del Conservatorio Cherubini di Firenze si esprimono in questo modo: «Nell’ambito di molti generi musicali questo strumento, per la stragrande maggioranza della società, rimane nell’ombra, legato solo ed esclusivamente alla musica popolare e folkloristica»; «Purtroppo, ancora si crede che la fisarmonica sia legata al campo della musica popolare e forse è anche per questo che è uno strumento non troppo comune nei giovani». Sullo stesso piano gli allievi della classe di fisarmonica del Liceo Musicale Santa Rosa di Viterbo dichiarano: «Ad oggi possiamo affermare che l’identità della fisarmonica si sta costruendo in progress, ma, nonostante tutti gli sforzi, questo strumento viene ancora confinato nella maggior parte dei casi alla musica popolare folkloristica».
Senza dubbio, la storia della fisarmonica nel contesto italiano abbraccia una forte eredità popolare. In Italia, infatti, lo strumento con i bassi standard brevettato nel 1897 da Paolo Soprani signoreggia a lungo nei vari repertori: è fortemente collegato alle tradizioni regionali e alla musica da ballo e, dagli anni Cinquanta, emerge pure una letteratura di valore grazie a compositori come Fancelli, Fugazza, Melocchi, Lattuada, Volpi, Liviabella, Ferrari-Trecate. Purtroppo, questi sforzi rimangono circoscritti per un buon periodo di tempo al solo mondo fisarmonicistico e si dovrà aspettare il lontano 1992/1993 per ottenere l’apertura della prima cattedra ordinamentale presso il Conservatorio di Pesaro. Tardi rispetto ad altre realtà nazionali come la Germania, la Russia, i Paesi Scandinavi, la Francia, che, invece, dalla prima metà del secolo, sollecitano i costruttori per sviluppare nuove caratteristiche tecnologiche in grado di mettere a punto uno strumento polifonico di tutto rispetto, che possa debuttare con una letteratura nuova e colta. Il Novecento, trampolino di lancio dal punto di vista artistico, vede con le avanguardie un nuovo sistema compositivo che individua nella ricerca del suono il suo fondamento di scrittura. La Nuova Musica mette sotto i riflettori strumenti fino ad allora poco conosciuti in ambito accademico, tra cui anche la fisarmonica, la cui identità viene finalmente “scoperta” grazie al suo potenziale fonico-espressivo. L’ambiente italiano, a differenza di altri, si dimostra incapace di afferrare da subito questa ondata di rinnovamento musicale internazionale e aspetterà qualche anno in più per realizzare la sua emancipazione artistica che la metta in relazione con tutti gli strumenti della musica accademica. Non è un caso, quindi, che, ancora oggi, studenti italiani sentano l’eredità popolare sulla propria pelle con tutte le criticità implicate, e questo nonostante tutta la dedizione che possano donare al proprio strumento.
Come enunciano L.B. e F.S. del Liceo musicale Concetto Marchesi di Padova: «Racchiudendo in due aggettivi il presente della fisarmonica, sicuramente i più adatti sono folkloristico e limitato. Se per il primo sussistono pochi dubbi, dal momento che fin dalla sua origine la fisarmonica è legata ad un ambiente non colto e a un suo utilizzo piatto per quanto riguarda i generi musicali in cui viene maggiormente adoperata, per il secondo è necessario spendere due parole. Parafrasando la nota citazione di Mahler secondo cui “la tradizione non è custodia delle ceneri, ma salvaguardia del fuoco”, è vero che bisogna ricordare in ogni momento la propria provenienza per capire il futuro, ma pare che per la fisarmonica le proprie radici stiano compromettendo la proiezione dello strumento stesso nel più ampio universo musicale. Il rimando molto frequente a una dimensione popolare (da non confondere con il genere pop) genera l’effetto contrario a quello sperato; anziché suscitare curiosità per lo strumento in un vasto pubblico esterno, solo chi suona la fisarmonica ne conosce le potenzialità e le varie sfaccettature che la stessa può assumere. Un esempio su tutti: in ambito orchestrale, la fisarmonica viene utilizzata molto poco, solo in rari casi».
Un destino diverso rispetto ad un suo coetaneo, il sassofono, la cui paternità e le cui evoluzioni tecnico-foniche sono da attribuirsi fondamentalmente ad un’unica mente, perspicace nel saper introdurre lo strumento presso compositori di fama e di inserirlo in brevissimo tempo nei conservatori (1857). Per la fisarmonica venne invece a mancare un progetto “unificatore” che potesse dare un denominatore comune al suo variegato sviluppo organologico nei differenti contesti geografici. L’ancia libera venne sperimentata in molteplici forme generando una famiglia di strumenti a mantice e diventò un mezzo privilegiato di comunicazione dei singoli ambienti culturali in cui operava, ma questo portò inevitabilmente ad un frastagliamento della sua evoluzione tecnologica.
L’origine popolare sarebbe potuta diventare una spada di Damocle sempre pronta a sferrare il colpo, ma per fortuna il tempo avanza e le nuove generazioni possiedono una pluralità di visioni come, ad esempio, quelle dei giovani fisarmonicisti del Conservatorio Luca Marenzio di Brescia che affermano: «I giovani scelgono meno facilmente la fisarmonica in quanto appartenente ad una generazione distante dalla loro. Ma allo stesso tempo, l’immediatezza della musica popolare, può essere scintilla per nuove passioni musicali, il cui corso potrà col tempo aprirsi a nuovi orizzonti» (Alessio Ferrari del corso propedeutico); e, ancora, scrive il compagno Thomas Gelmini: «Ho iniziato il mio percorso di studio con la musica folk e ho scoperto la musica classica e contemporanea in Conservatorio».
Nuovamente dal Cherubini di Firenze, Antonio Saulo non ha nessuna esitazione nell’affermare che: «Oggi la fisarmonica rappresenta uno degli strumenti più evoluti, affascinante e accattivante, espressivo ed elegante, strumento ideale per la musica da camera sia nel repertorio originale, sia in quello trascritto», e auspica «un continuo percorso di crescita attraverso un repertorio originale, da camera e da orchestra, che esalti sempre di più il potenziale espressivo che questo strumento possiede».
Alcuni di loro riconoscono l’impegno di esecutori e compositori del Novecento nell’aver collaborato e incentivato la diffusione dello strumento a note singole alla tastiera sinistra per ampliare i repertori di studio e da concerto: «Il presente della fisarmonica sono certo che sarebbe stato diverso, sia dal punto di vista dei repertori che delle opportunità professionali, se, in passato, determinati fisarmonicisti e compositori non avessero pensato, e successivamente messo in atto, le modifiche del manuale di sinistra» (Antonio Zappavigna del Conservatorio di Firenze). Aspetto considerato anche dagli allievi del liceo musicale di Viterbo: «Intorno alla metà del XX secolo, grazie al prezioso lavoro dei maestri dell’epoca, tra cui Salvatore Di Gesualdo, Friedrich Lips, Joseph Macerollo, Hugo Noth, la fisarmonica inizia, sia per caratteristiche tecniche (si passa da uno strumento che poteva suonare solo accordi precostruiti ad uno che aveva la possibilità di suonare con le note singole anche nella tastiera sinistra) a farsi spazio nella musica colta».
Per Riccardo Pugliese, in rappresentanza della classe di fisarmonica del Conservatorio Ottorino Respighi di Latina, la situazione, oggi, risulta a buon punto: «La fisarmonica è riuscita, nel corso degli anni, a diffondersi incredibilmente, facendosi apprezzare nell’ambito di generi musicali differenti sino a guadagnarsi dignità pure negli ambienti accademici. Un risultato notevole, questo, in quanto la fisarmonica sta iniziando a non essere considerata unicamente come strumento popolare; per noi fisarmonicisti d’oggi, un punto di partenza e non di arrivo, dal quale si possono dedurre ulteriori miglioramenti per il futuro».
Strumento del paradosso è la denominazione che Michele D’Addona, del Conservatorio Cimarosa di Avellino, conferisce alla fisarmonica : «La fisarmonica è uno strumento estremamente affascinante, che non manca di risorse, ma, allo stesso tempo, io lo definisco “lo strumento del paradosso”, strumento di “ricerca e sperimentazione”; non ne abbiamo una “versione universale”, il repertorio, attualmente, è in piena fase di sviluppo e sperimentazione soprattutto nell’ambito jazzistico e contemporaneo». Mentre Carolina D’Alberto del Conservatorio di Santa Cecilia sottolinea l’incisività dell’ambiente musicale, laddove la buona integrazione dello strumento nelle attività didattico-artistiche diventa una spinta per la crescita motivazionale degli allievi: «Il Conservatorio Santa Cecilia offre un ottimo ambiente musicale. In questo contesto la fisarmonica è ben integrata: in effetti, vanta collaborazioni di tipo cameristico, orchestrale, solistico ed ensemble vari, vive un presente di grande qualità e lascia immaginare e sperare che questo strumento possa avere un bel futuro. […] Sembra di vivere un presente di grande potenzialità, e questo permette di riscuotere un buon successo in paragone agli altri strumenti».
Complessivamente, dall’ultimo ventennio del secolo scorso, anche nel Bel Paese, negli ambienti accademici, sono stati compiuti passi decisivi per l’evoluzione organologica e la diffusione della fisarmonica da concerto, e tale riconoscimento viene ben trasmesso dai giovani sopra menzionati. Oltre al jazz, che coinvolge da lungo tempo molti fisarmonicisti, anche altri ambiti musicali indicano una curiosità crescente verso lo strumento ad ancia libera, come testimonia Edoardo Farronato del Conservatorio Agostino Steffani di Castelfranco Veneto (TV): «Ho notato un ritorno nella musica “leggera”. Mi vengono in mente la sigla di una nota serie Tv e alcuni giovani gruppi musicali, dove la fisarmonica viene utilizzata al pari degli altri strumenti, e per quel che ho potuto sentire, con gusto».
Anche Francesco Cetta del Cimarosa di Avellino segnala un’ulteriore strada compositiva collegata ai linguaggi della contemporaneità: «Nel corso degli ultimi anni, i compositori hanno cercato il contatto fra antico e moderno, elettrico ed elettronico, visivo e uditivo. L’accostamento timbrico fra il suono acustico dello strumento e il digitale dell’elettronica crea una fusione del tutto nuova che coinvolge sia il pubblico, sia i compositori della nuova corrente musicale. La fisarmonica e l’elettronica sembrano strumenti complementari, nati per suonare insieme in modo del tutto naturale. Il futuro dell’elettronica è il presente che si avvale di una tecnica consacrata in ambito di musica elettronica, il live electronics, la manipolazione dei suoni di origine elettronica ed elettroacustica in tempo reale, cioè durante l’esecuzione: seguendo una vera e propria partitura durante il concerto, l’esecutore elettronico cambia frequenze, tempi e molti altri parametri a suoni precedentemente sintetizzati in studio, attraverso l’uso di strumenti appositi: sintetizzatori e computer. A livello internazionale, diversi autori hanno composto musiche per elettronica e fisarmonica. Penso che il futuro della fisarmonica sia legato indissolubilmente alla musica elettronica in tutti i suoi aspetti: repertorio, opportunità professionali e culturali, diffusione e organologia».
Le parole di questo allievo ci riportano al 1971 con il celebre Dinosaurus del compositore norvegese Arne Nordheim, quando la sperimentazione dei parametri del suono registrato secondo l’idea del francese Pierre Schaeffer indusse i compositori a esplorare nuove fonti sonore tra cui la fisarmonica.
Parallelamente al pensiero di Edoardo Farronato e di Francesco Cetta, anche i ragazzi del Liceo di Padova vedono delle proficue opportunità nella combinazione del suono acustico con quello digitale, ma i loro desideri si rivolgono ad un altro genere, quello commerciale legato nello specifico al mondo della notte, l’electronic dance music (EDM), in cui le ance libere potrebbero creare un risultato sonoro veramente inaspettato: «Il desiderio è quello di poter vedere in uso lo strumento in un nuovo ambito in grado di definirne correttamente le esatte forme e un maggior coinvolgimento nella musica commerciale e in quella legata alle nuove tecnologie (per esempio EDM)».
Rimanendo nell’argomento della musica commerciale, si può dire che negli ultimi anni abbiamo sentito il piacevole inserimento della fisarmonica in vari brani pop come nel caso di Adriano Celentano e Mina, Biagio Antonacci, Antonella Ruggero… Si potrebbe ipotizzare che tutto ciò possa aver spronato una certa attenzione tra giovani e meno giovani per la fisarmonica, è così? Commenta Edoardo Farronato di Castelfranco: «Un’ultima considerazione: spesso ho sentito dire che i giovani non si avvicinano al mondo della fisarmonica. Questo è vero, ma credo che il problema di fondo non sia legato solo allo strumento. Avendo modo di lavorare a contatto con i ragazzi, noto un sempre maggiore impoverimento musicale dei giovani. Sentono la musica, ma non la ascoltano. Si sparano nelle orecchie canzoni che non capiscono, senza distinguere le parole dalla musica. Una cuffietta in un orecchio, in mezzo agli altri compagni, mentre si parla e si scherza. La musica è diventata un semplice brusio di sottofondo. Quindi, se vogliamo che i giovani tornino ad apprezzare la buona musica, credo ci sia molto lavoro da fare, indipendentemente da chi suona o da come suona la fisarmonica».
Un concetto senz’altro fondato in una società costruita sulla cultura di massa, in cui il divertimento fine a se stesso prevale sulla formazione della personalità e dell’intelligenza critica dei ragazzi. La musica d’ascolto e d’intrattenimento oggi mira ad una facile fruizione, i volumi sono effettivamente alti, a discapito dei colori armonici e dello spettro sonoro, che, spesso, vede l’esagerazione delle frequenze più gravi. Dagli anni Novanta, si assiste ad una crescita del 40% del volume medio rispetto ai decenni precedenti, quasi un incitamento a chi parla più forte, a discapito delle facoltà percettive dell’orecchio, che, in questo modo, frastornato dall’urto sonoro, s’impigrisce e si chiude.
Altro aspetto da considerare, che ben si evince dalle riflessioni riportate, sta nell’impatto dei mass media sull’immaginario collettivo, che, spesso e volentieri, concentrano una larga visibilità a pochi strumenti ritenuti di uso più allargato, come il pianoforte, la chitarra elettrica nelle band, gli strumenti ad arco nelle orchestre classiche, a discapito di strumenti considerati ingiustamente di nicchia come il mandolino e, tra i tanti, anche la fisarmonica. Ma la nicchia è il prodotto della scarsa visibilità.
Come afferma Massimo Galliano del Liceo Musicale Giorgione di Castelfranco Veneto (TV): «La sua implementazione negli strumenti dei Licei Musicali e Conservatori è un grande riconoscimento da non sottovalutare. Sicuramente, tra vent’anni la fisarmonica non avrà successo come il pianoforte o la chitarra, strumenti cosı̀ diffusi da poterli trovare quasi in ogni appartamento, però si avvicinerà di più al pubblico di quanto non lo sia già oggi».
I giovani fisarmonicisti leggono il presente con chiarezza e sono consapevoli del ruolo vincolante dell’informazione ufficiale per estendere e divulgare conoscenza e pluralità timbrica per quanto riguarda la musica. Di pari passo, il sistema educativo della scuola, in quanto istituzione pubblica, dovrebbe sostenere la varietà strumentale di qualità, riconoscendone, quanto più possibile, il valore. Le aperture di cattedre dello strumento a mantice nei Conservatori sono avvenute in quasi tutti i capoluoghi di provincia, ma non altrettanto si può affermare per i Licei Musicali (DPR 89/2010) e le Scuole Secondarie di primo grado ad indirizzo musicale (D.M.201/99), dove quelle cattedre sono ancora poche. Eppure, si tratta della verticalizzazione degli studi mirata ad una continuità didattico-formativa, educativa e culturale indispensabile per la valorizzazione dell’imprenditoria italiana nell’ambito delle otto competenze chiave di cittadinanza. L’Italia, in quanto nazione con il primato nell’arte, ha la responsabilità di mantenere un patrimonio culturale impareggiabile, valorizzandolo.
Marco Gerolin del Liceo Musicale Guglielmo Marconi di Conegliano Veneto (TV) evidenzia che: «Il mondo della fisarmonica sta vivendo una transizione a livello conoscitivo: moltissimi musicisti, che fino a poco tempo fa denigravano questo strumento, cominciano a capirne le enormi possibilità. Il problema, però, non si è totalmente risolto perché molti ne hanno ancora una visione limitata. Sempre meno ragazzi intraprendono lo studio della fisarmonica, preferendo ad essa lo studio di altri strumenti o altre strade. Quind,i se da un lato sta finendo quel percorso di emancipazione cominciato negli ultimi decenni del secolo scorso, dall’altro si sta affrontando un periodo non facile, in quanto le iscrizioni calano costantemente. […] Il problema siamo proprio noi fisarmonicisti che non stiamo raggiungendo i cuori delle persone. È difficile attirare ragazzi se non gli facciamo sapere che cosa si può fare con uno strumento come il nostro. Loro, che dovrebbero essere i nostri obiettivi maggiori, sono in qualche modo dimenticati; non sanno assolutamente niente di questo strumento se non qualche voce tramandata da persone con pregiudizi su di esso. […] Basti pensare alle divisioni interne allo stesso mondo fisarmonicistico: chi suona il jazz snobba i classici, gli amanti del folk non vedono altro che il folk, gli studiosi di musica colta snobbano ciò che non è colto. Non si può certo pensare di far conoscere uno strumento se nemmeno noi lo conosciamo interamente… Ma allora perché continuare su questa strada? Perché non ci sforziamo di andare incontro alle nuove generazioni?» Parole toccanti, che mettono in rilievo le contraddizioni del mondo fisarmonicistico, uno strumento che sta costruendo in questo tempo la storia della propria letteratura.
Quindi che fare? Continua Marco Gerolin: «Per garantirle un futuro che sia alla sua altezza, dobbiamo veramente darci da fare, a testa bassa; inserire vari generi nei nostri concerti, dal barocco alla musica operistica sino alla contemporanea, passando per il variété e il jazz, toccando pure il folk». L’allievo di Conegliano descrive una propria lezione concerto svolta presso le Scuole Medie di Pasiano di Pordenone in cui l’accoglienza entusiasta dei ragazzi nel vederlo suonare e spiegare lo strumento lo sorpresero notevolmente; interesse e curiosità abbondavano senza freni, nonostante non sapessero nulla dello strumento a mantice, a conferma che «non sono loro il problema del declino dello strumento». Anche Eleonora Sanso di Firenze ribadisce l’importanza delle lezioni concerto nelle Scuole Primarie e Secondarie di I grado: «Si potrebbe fare più informazione e promuovere anche questo strumento nelle scuole, spiegandone le funzionalità, i meccanismi. Questo potrebbe portare ad una curiosità da parte dei giovani (com’è successo nel mio caso), che potrebbero esserne affascinati e decidere di proseguire gli studi della fisarmonica»; è così anche per il compagno Matteo Buroni, della stessa istituzione: «Quello su cui, in primis, si dovrebbe puntare in futuro è la divulgazione di questo strumento nell’ambito di tutti i generi musicali che esso può toccare, organizzando lezioni concerto rivolte sopratutto ad un pubblico di giovani (partendo da bambini di tre-quattro anni a salire)» e aggiunge: «incrementare (attraverso appositi repertori) l’interazione tra gli organici musicali più disparati (dall’orchestra sinfonica a qualsiasi tipo di ensemble o addirittura strumenti digitali di musica elettronica). Così facendo, si potrebbe avere un incremento di opportunità professionali sia per musicisti che per compositori». Anche gli allievi di fisarmonica del Liceo Musicale di Viterbo auspicano non soltanto lezioni concerto, ma: «Per il futuro della fisarmonica bisogna augurarsi che sempre più compositori si incuriosiscano ad essa, orientandosi maggiormente alla letteratura per l’infanzia per fare in modo che, sin dall’inizio degli studi ,il pensiero musicale e l’orecchio dell’esecutore si formino su un determinato tipo di repertorio e sonorità adeguati ad ogni livello di difficoltà».
Il futuro non è distante, è nel fare del presente, nelle proposte sopra descritte: «Tutti, quindi dovremmo stimolare i compositori… Si prospettano ottime opportunità didattiche e concertistiche, c’è spazio per molti di noi!» dichiara Carolina D’Alberto del Santa Cecilia, opinione condivisa da Antonio Saulo del Cherubini di Firenze: «Grazie ai suoi timbri e alla considerevole estensione, la fisarmonica offre un grande e affascinante spunto per i nuovi compositori di musica contemporanea. Il suo percorso è stato fondamentale per noi fisarmonicisti del presente, e tutto questo è possibile grazie al lavoro di figure importanti quali Salvatore Di Gesualdo, Frederich Lips, Mogens Ellegard e altri, che hanno contribuito a dare un volto nuovo allo strumento attraverso un repertorio straordinario. Oggi, la fisarmonica rappresenta uno strumento completo, ricco di colori e sfumature. A mio avviso, bisognerebbe continuare il percorso di crescita attraverso un repertorio originale, da camera e da orchestra, che esalti sempre di più il potenziale espressivo che questo strumento possiede».
Michele D’Addona del Conservatorio di Avellino suggerisce: «La fisarmonica, essendo uno strumento giovane, non ha potuto avere l’attenzione di grandi compositori classici come Bach, Mozart, ecc. E proprio per questo vien da sé immaginarsi cosa sarebbe successo se un genio della musica come Bach avesse avuto modo di conoscere il suono di questo strumento. Credo che la fisarmonica abbia davanti un futuro ricco di ricerca e sperimentazione e sono convinto che abbia ancora molto da dare alla musica». La classe del Conservatorio di Brescia evidenzia l’importanza del repertorio contemporaneo nei programmi di studio come esplorazione, ricerca e scoperta dello strumento: «L’avvicinamento a questo repertorio mi ha aperto un mondo, mi ha fatto apprezzare la fisarmonica in ogni sua sfumatura» e ancora: «La musica contemporanea ha assolto il proprio reale compito di ricerca, individuando nella fisarmonica un bacino di potenzialità espressive inedite a disposizione delle nuovi generazioni di compositori».
Infine, l’intervento di Riccardo Pugliese del Respighi di Latina, che non lascia dubbi. A nome della classe di fisarmonica esplica con precisione i progetti da attuare nel prossimo futuro e il coinvolgimento che ognuno di loro vive nel proprio percorso di studio mirato alla loro realizzazione : «È necessario che continui la sinergica collaborazione tra esecutori e compositori, affinché il repertorio fisarmonicistico venga sempre più incrementato da nuove e differenti pagine musicali; particolarmente interessante risulterebbe una ricerca compositiva incentrata sulla musica da camera, che vada a scovare intrecci timbrici forniti dai vari ensemble con la fisarmonica al proprio interno, così come una ricerca sull’orchestrazione, e, dunque, quando lo strumento è inserito all’interno di una compagine orchestrale. Ma, allo stesso tempo, è necessario che al repertorio sia dato un adeguato spazio per l’esecuzione, all’interno di stagioni concertistiche organizzate da istituzioni musicali. Lo strumento, infatti, si è nel tempo affinato a livello tecnico, grazie alle abili mani dei costruttori; è necessario che il loro lavoro continui ancora oggi alla ricerca di migliorie costruttive. È anche fondamentale che gli insegnanti diano luce a nuovo materiale didattico, al fine di una formazione esaustiva e completa per coloro che si accingono allo studio della fisarmonica. Infine, sta a noi, fisarmonicisti del presente, continuare a sviluppare una prassi che esprima al meglio le identità sonore dello strumento, in quanto grazie a queste ultime la fisarmonica potrà scardinare i pregiudizi del passato, dimostrando, invece ,appieno, la musica che è capace di creare».
Pensieri decisi e incoraggianti per la loro lungimiranza, che dimostrano l’elevata preparazione culturale e artistica dei fisarmonicisti di oggi, pronti a incrementare l’evoluzione compositiva da concerto e per la didattica, grazie a una consapevolezza acquisita dallo studio del passato, dall’analisi del presente e dalla progettazione del futuro.
Giustamente, i giovani fisarmonicisti di Latina mettono in rilievo il doveroso progresso di ulteriori miglioramenti costruttivi, tassello di non poco conto per chi si dedica a sviluppare al meglio l’arte esecutiva della fisarmonica. A questo proposito, Michele Storti del Conservatorio di Avellino avanza una proposta: «Sul piano organologico, le aziende dovrebbero cercare di abbassare il gap tra manuale sinistro e manuale destro. Certamente, questo aspetto è meno visibile negli strumenti di qualità. Penso, però, che a livello organologico la ricerca sia ferma o, per lo meno, quella di nuove tecniche, di nuovi materiali di costruzione sia ormai affidata a poche aziende. In futuro, penserei a una fisarmonica che abbia due manuali con le stesse caratteristiche, con la stessa possibilità di combinazione timbrica. Queste future caratteristiche potrebbero rendere più nobile il nostro strumento. Con la fisarmonica, per quanto riguarda le caratteristiche organologiche e tecniche dello strumento, siamo fermi al primo concetto di fisarmonica a “bassi sciolti”. Tra i primi e gli ultimi strumenti a note sciolte non troviamo grosse differenze, anzi, si potrebbe dire che, con il passare del tempo, la qualità dei materiali di costruzione potrebbe essere anche peggiorata. Abbiamo bisogno di un ritorno al “mecenatismo”, protratto in chiave moderna, traslato con le nuove risorse tecnologiche che abbiamo in questo periodo storico, affinché i costruttori, coadiuvati dal musicista stesso, potranno dare nuove caratteristiche alla fisarmonica, al fine di poter raccontare, domani, che nel XXI secolo abbiamo avuto i più grandi costruttori di fisarmoniche e che hanno lasciato un segno indelebile su questo strumento».
Per quanto riguarda il progresso tecnologico della fisarmonica, il trevigiano Massimo Galliano centra un tema scottante, essenziale per la diffusione di questo strumento dalle scuole primarie in poi e sul quale si dibatte ormai da lungo tempo: «La fisarmonica è prodotto dell’artigianato e, di conseguenza, strumento dal costo corposo e molto spesso inavvicinabile. Nei prossimi anni, per superare questo limite, si dovrebbe escogitare un modo per allargare la produzione ad un livello industriale senza abbassare la qualità degli strumenti. Abbassando cosı̀ il prezzo, molte più persone potranno incuriosirsi e tentare d’imparare a suonarlo. Non è altro che lo stesso percorso che hanno fatto già da anni il pianoforte e la chitarra».
Tasto a dir poco dolente… È innegabile che, tralasciando lo strumento di pregio tanto desiderato dall’allievo che sceglie di acquistarlo dopo anni di studio, rimane il fatto che la fisarmonica continua ad essere uno strumento costoso anche per chi inizia a studiare. Le famiglie difficilmente hanno la possibilità di spendere da subito cifre superiori ai cinquecento euro, sia per questioni di budget domestico, sia per l’incertezza della continuità dello studio dei figli. D’altra parte, non è più credibile iniziare un percorso formativo con uno strumento sistema “standard”, che, in un secondo momento, magari dopo qualche anno, verrebbe sostituito con quello a “note singole”. Gli studi musicali, oramai, devono essere avviati sin dal principio con lo strumento da concerto nelle differenti dimensioni a seconda dell’età degli allievi. Peraltro, è oramai impellente l’aggiornamento della didattica, che esprima la piena identità della fisarmonica e diventi pertanto accattivante per la propria modernità.
Il contributo di Antonio Zappavigna del Cherubini di Firenze conclude questo scritto, il cui proposito è stato quello di unificare le idee di giovani appassionati in vista di un futuro luminoso, che li consideri protagonisti e artefici del proprio cammino: «Desidero un futuro che guardi alla fisarmonica come a uno strumento capace di racchiudere un’intera orchestra, desidero continuare la strada dei fisarmonicisti e compositori che hanno portato questo strumento ad essere considerato capace di suonare la musica “colta”. Da fisarmonicista ho il dovere di continuare lo studio dei repertori e portare al massimo della fioritura l’arte dell’interpretazione musicale attraverso uno strumento, che, fino a qualche decennio fa, veniva considerato solo ed esclusivamente uno strumento popolare».
Suonare, nella molteplice forma che questo verbo può significare, è da sempre una grande opportunità, una pratica ancestrale di cui nessuna civiltà, in passato e nel presente, si sia mai privata proprio perché indispensabile per il vivere umano.
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Present and Future, the young accordionists speak…
The Nuovo Centro Didattico Musicale Italiano, with the presidency of Patrizia Angeloni, involves the young accordionists of Licei Musicali (music high school) and Conservatories, asking them a tantalizing question: how do you see the Present of the Accordion and what would you like for its Future? (repertoires, professional and cultural opportunities, dissemination and organology).
A question to which the young accordionists have joined with considerable interest presenting themselves as a new generation full of ideas and perspectives, but at the same time, attentive to the fragility of the Present in the artistic and cultural dimension of our contemporary time.
The perception of being an accordionist in the current state of culture and the confidence in its continuous advancement in the educational and professional world reveal very different positions from one institution to another, sometimes even among students of the same institution, confirming the different reflections developed by the pupils during their personal experiences.
They come from the Licei Musicali of Conegliano (TV), Padova, Viterbo, Castelfranco Veneto (TV) and from the preparatory and academic courses of various Conservatories such as Rome, Florence, Latina, Avellino, Brescia (branch of Darfo), Castelfranco Veneto (TV).
Starting from the observation of the Present, for some of them, today’s musical context does not convey an attractive image of the accordion. On the contrary the average taste of the people, who has no knowledge about the different executive possibilities of the instrument, borders it on a single genre: folk music and/or regional repertoires of traditional music. The reflections of Matteo Burani and Eleonora Sanso of the Cherubini Conservatory in Florence are expressed in this way: «For the vast majority of society and within many musical genres, this instrument remains in the shadows, linked only and exclusively to traditional and folk music»; «Unfortunately people still believe that the accordion is linked to the field of traditional music and maybe it is also for this reason that it is not so much appreciated by young people».
In the same way, the students of the accordion class of Santa Rosa Liceo Musicale in Viterbo declare: «Today we can say that accordion’s identity is being built in progress but, despite all efforts, this instrument is still confined in most cases to folk music».
Undoubtedly, accordion’s history in the Italian context embraces a strong folk heritage. In Italy, in fact, the “standard bass“ instrument patented in 1897 by Paolo Soprani has long held sway in the various repertoires: on one side it was strongly connected to regional traditions and folk music and on the other side, even if since the fifties a literature of value emerges thanks to composers such as Fancelli, Fugazza, Melocchi, Lattuada, Volpi, Liviabella, Ferrari-Trecate, unfortunately, those efforts remained limited for a considerable period of time only to the world of accordion. We had to wait until 1992/1993 to get the opening of the first chair of law at the Conservatory of Pesaro.
That means late compared to other national realities such as Germany, Russia, Scandinavian Countries, France, which instead, from the first half of the century urge manufacturers to develop new technological features able to improve a polyphonic instrument of all respect that can debut with a new and cultured literature. The twentieth century, a springboard from the artistic point of view, established with the Avant-garde a new compositional system that identifies in the research for sound its foundation of writing. The “New Music” puts under the spotlight instruments until then little known in the academic field, including the accordion, whose identity was finally “discovered” thanks to its phonic-expressive potential. The Italian environment, unlike others, proves unable to grasp immediately this wave of international musical renewal, and had to wait a few more years to realize its artistic emancipation that will put it in relation to all instruments of academic music.
It is no coincidence, therefore, that even today in 2020, Italian students still feel the popular heritage on their own skin with all the criticisms involved, and this despite all their love to their instrument.
As L.B. and F.S. of the Liceo musicale Concetto Marchesi in Padova state: «Enclosing in two adjectives the present of the accordion, surely the most suitable are: folkloristic and limited. For the first adjective there are few doubts, as the accordion, since its origin, is not linked to an academic environment and is mostly played in a flat way regarding the musical genres in which it is most used. Concerning the second adjective it is necessary to spend two words: paraphrasing Mahler’s famous quotation that “tradition is not the custody of ashes, but the protection of fire”, it is true that people must remember at all times one’s own origin in order to understand the future, but it seems that the accordion roots are compromising the projection of the instrument itself in the widest musical universe. The common reference to the traditional dimension (not to be confused with the popular genre) generates an opposite effect for whose who hoped for; instead increasing curiosity in a wide external audience, only those who play the accordion know its various skills and profiles: an example of all, in the orchestral field the accordion is used very little, only in rare cases».
A different destiny happened to the saxophone “borned” in the same period of the accordion. The authorship and the technical-phonic evolutions are to be attributed fundamentally to a single mind, perspicacious in knowing how to introduce the instrument to well-knowed composers and to insert it in a very short time in conservatories (1857). For the accordion, no “unifying” project had been planned, that meant a big lack for a common denominator aimed to organize the varied organological development in different geographical contexts. The free reed was experimented in many forms generating a family of bellow instruments and for sure it became a privileged means of communication of the individual cultural environments in which it operated, but this inevitably led to a technological evolution phrasing.
The traditional origin could have become a sword of Damocles, always ready to strike the blow, but luckily time goes on and new generations develop a plurality of visions such as those of the young accordionists of the Conservatory Luca Marenzio of Brescia who say: «Young people choose the accordion less easily because it belongs to a generation far from their own. But at the same time the traditional music immediacy can be a spark for new musical passions, opening to new horizons» (Alessio Ferrari of the preparatory course), and still writes the companion Thomas Gelmini: «I started my studies with folk music and I discovered classical and contemporary music at the conservatory».
Once again from the Cherubini Conservatory in Florence, Antonio Saulo has no hesitation in stating that: «Today the accordion is one of the most evolved instruments, fascinating and captivating, expressive and elegant, ideal instrument for chamber music both in the original repertoire and in the transcribed one» Furthermore he wishes: «A continuous path of growth through an original repertoire, chamber and orchestra, which increasingly exalts its expressive potential skills».
Some of them recognize the commitment of performers and composers during the twentieth century in having collaborated and encouraged the diffusion of the instrument to single notes on the left keyboard in order to expand the repertoires of study and concert: «I am sure that the present of the accordion would have been quite different, both from the point of view of repertoires and professional opportunities, if in the past certain accordionists and composers had not thought and subsequently put into action, the modifications of the left manual» (Antonio Zappavigna of the Conservatory of Florence). Those aspect are also considered by the students of the Liceo Musicale of Viterbo: «Around the middle of the twentieth century, thanks to the precious work of the masters of that time, among some Salvatore Di Gesualdo, Friedrich Lips, Joseph Macerollo, Hugo Noth, the accordion began both for technical characteristics (it goes from an instrument that could play only pre-arranged chords to one that had the ability to play with single notes even in the left keyboard) to make room in the cultured music».
To Riccardo Pugliese, representing the accordion class of the Ottorino Respighi Conservatory in Latina, the situation today is at a good point: «Over the years, the accordion has succeeded in spreading incredibly, making itself appreciated in different musical genres to the point of gaining dignity even in academic circles. A remarkable result of this, as the accordion is beginning to be considered not only as a popular instrument, for us, young accordionists of today, a starting point and not an arrival one, from which we can deduce further improvements for the future».
An instrument of paradox is the attribute that Michele D’Addona of the Cimarosa Conservatory of Avellino gives to it: «The accordion is an extremely fascinating instrument that does not lack resources, but at the same time I define it “the instrument of paradox”, an instrument of “research and experimentation”, we do not have a “universal version”, repertoire currently in full development and experimentation especially in the field of jazz and contemporary music». While Carolina D’Alberto of the Santa Cecilia Conservatory in Rome emphasizes the incisiveness of the musical environment, where the good integration of the instrument in the educational-artistic activities becomes a push for the students motivational growth: «The Santa Cecilia Conservatory offers an excellent musical environment. In this context, the accordion is well integrated: in fact, it boasts collaborations of chamber, orchestral, solo and various ensembles, lives a present of great quality and lets imagine and hope that this instrument can have a good future. (…) It seems to live a present of great potential, and this allows to be successful in comparison to other instruments».
Overall, since the last two decades of the last century, decisive steps have been taken in Italy too concerning the organological evolution and diffusion of the Concerto Accordion, in a decisive way regarding academic circles, and this recognition is well transmitted by the young people mentioned above.
In addition to jazz that involves many accordionists since a long time, other musical ambits indicate a growing curiosity about the free reed instrument, as noticed by Edoardo Farronato of the Agostino Steffani Conservatory of Castelfranco Veneto (TV): «I noticed a return to pop music. I remind the theme song of a well-known TV series and some young musical groups, where the accordion is used like other instruments, and for which I could hear, well played».
Francesco Cetta of the Cimarosa Conservatory also points out a further compositional possibility connected to the languages of contemporaneity: «Over the last few years composers have sought the contact between ancient and modern, electric and electronic, visual and auditory. The timbral combination between the acoustic sound of the instrument and the digital electronics, creates a completely new fusion that involves both the audience and composers of the new musical movement. Accordion and electronics seem to be complementary instruments, born to play together in a completely natural way. The future of electronics is the technique of the present time in the field of electronic music, live electronics, the manipulation of sounds of electronic and electroacoustic in real time, that means during the performance: following a real score, the electronic performer changes frequencies, times, and many other parameters to sounds previously synthesized in the studio, through the use of special tools: synthesizers and computers… Internationally several authors have composed music for electronics and accordion… I think that the future of the accordion is inextricably linked to electronic music in all its aspects: repertoire, professional and cultural opportunities, diffusion and organology».
This student’s words bring us back to 1971 with the famous “Dinosaurus” of the Norwegian composer Arne Nordheim, when the experimentation of the parameters of the recorded sounds according to the idea of Pierre Schaeffer induced the composers to explore new sound sources including the accordion.
In parallel of Edoardo Farronato and Francesco Cetta thoughts, even the students of Liceo Musicale Marchesi in Padova see fruitful opportunities regarding the combination of acoustic sound with digital ones, but their wishes turn to another genre, the commercial one, linked specifically to the night life with electronic dance music (EDM), in which the free reeds could create a really unexpected sound result: «The desire is having the possibility to note the instrument in use in a new environment able to define properly its exact forms and a greater involvement in commercial music including the one related to new technologies (for example EDM)».
Remaining in the topic of commercial music, we can say that in the recent years we have heard the pleasant insertion of accordion in various pop songs as for instance the ones of Adriano Celentano and Mina, Biagio Antonacci, Antonella Ruggero… it could be assumed that all this may have spurred a certain attention among young and old people for the accordion, is that so? Edoardo Farronato of Castelfranco Veneto comments: «One last consideration: I have often heard that young people do not approach the accordion world. That is true, but I believe that the underlying problem is not just linked to the instrument. Having the opportunity to work with young people, I notice an increasing musical impoverishment of them. They hear music but they do not listen to it. They shoot in their ears songs that they don’t understand, without distinguishing words from music. They get a bonnet in one ear, while talking and joking with other friends. The music has become a simple buzz in the background. So if we want young people to come back appreciating good music, I think there is a lot of work to do, regardless of who plays or how the Accordion plays».
A concept which is certainly founded in our society built on mass culture, in which fun for its own sake prevails over the personality training and the critical intelligence of young generations. The music of listening and entertainment today aims an easy fruition, volumes are actually quite high, in spite of the harmonic colors. The sound spectrum often display the exaggeration of the most severe frequencies. Since the nineties we observe an increase of 40% of the average volume compared to previous decades, almost an incitement to those who speak louder, to the detriment of the perceptual faculties of the ear, that in this way, stunned by the sound impact, turns lazy and closes.
Another aspect to consider, which is well evident up to the reflections reported, is the impact of mass media on the collective imagination, which focus often and willingly a wide visibility to a few instruments, considered to be more widely used, such as the piano, the electric guitar in bands, the string instruments in classical orchestras, in spite of instruments considered unjustly niche as the mandolin, and among many also the accordion.
But the niche is the product of poor visibility!
As stated by Massimo Galliano of the Liceo Musicale Giorgione of Castelfranco Veneto (TV): «Its implementation in the instruments of Music High Schools and Conservatories is a great recognition not to be underestimated. Surely in twenty years the Accordion will not be as successful as the piano or the guitar, so widespread instruments that you can find them in almost every apartment, but it will get closer to the public than it is already today».
Young accordionists read the Present clearly and are aware of the official information binding role to extend and disseminate knowledge and timbral plurality in the music world. At the same time, the educational system of the school, as a public institution, should support the instrumental variety of quality by recognizing its value as much as possible. The openings of accordion chairs in the conservatories have happened in almost all the provincial capitals, but not so much could be said for Licei Musicali (Musical High Schools) (DPR 89/2010) and Secondary Schools of first degree with musical qualification (D.M.201/99), where those chairs are still few.
We are talking about the verticalization of musical studies in the educational and cultural institutions in Italy, a nation with the primacy of Art in the world, and that means the responsibility of maintaining an incomparable artistic heritage with the enhancement of its arts developments.
Marco Gerolin of the Liceo Musicale Guglielmo Marconi in Conegliano Veneto (TV) highlights that: «The world of the accordion is experiencing a transition at a cognitive level: many musicians who recently denigrated this instrument, begin to understand its enormous possibilities. The problem, however, has not been completely resolved, because lots of people still have a limited view of it. Fewer and fewer young people undertake the study of the accordion, preferring to it the study of other instruments or other professional opportunities. So if on one hand the accordion emancipation begun in the last decades of the last century is finishing, on the other it is facing a not easy period, because the schools registrations are constantly droping down. (…) The problem concerns accordionists themselves, who are not reaching people’s hearts.It’s hard to attract guys if we don’t let them know what can be done with an instrument like ours. Children and guys, who should be our greatest targets, are somehow forgotten; they know absolutely nothing of this instrument except some voice handed down by people with prejudices about it. (…) Just think about the divisions within the same accordion world: those who play jazz snubs the classics, folk lovers consider nothing but folk, scholars of cultured music snub what is not cultured. How can we spread our instruments possibilities if we do not even know it entirely? But then why keeping on like that? Why don’t we strive to meet the new generations?» These are touching words that highlight the contradictions of the accordion world, an instrument that is building the history of its literature in the present time.
So what shall we do? Read more Marco Gerolin: «To ensure a future that is up to you, we really must get busy, head down; insert various genres in our performance, from baroque to opera music up to the contemporary, through varieté and jazz, also touching folk». The student of Conegliano describes his concert lesson held at the middle schools of Pasiano di Pordenone, where the enthusiastic welcome of the children and teen-agers in seeing him playing and explaining the accordion surprised him greatly; interest, curiosity abounded without brakes, despite not knowing anything about the bellow instrument, confirming that «they are not the problem of the accordion decline». Even Eleonora Sanso of Florence reiterates the importance of concert lessons in primary and secondary schools of the first degree: «We could make more information and promote accordion in schools, explaining its functions, mechanisms. This could lead to a curiosity on the part of young people (as it happened to me), who might be fascinated and decide to continue the accordion studies»; and also for the companion Matteo Buroni of the same institution: «What we have to focus as principal aim for the future is the dissemination of this instrument in all musical genres by organizing concert lessons especially for an audience of young people (starting from children of 3-4 years to rise up)» he also adds: «Increasing (through appropriate repertoires) the interaction between the most different musical ensembles (from symphonic orchestra to any type of ensemble or even digital electronic music instruments)… in this way we could have an increase in professional opportunities for both musicians and composers».
The accordion students of the musical high school of Viterbo express the same purposes, but not only concert lessons: «For the future of the accordion, it is to be hoped that more and more composers will become curious about it, focussing more on children’s literature, in order to ensure that from the beginning of their studies the musical thought and the ear of the performer are formed on a specific type of repertoire and sound adapted to every level of difficulty».
The Future is not far, it is in the making of the Present, through the proposals above mentioned: «All, therefore, we should stimulate the composers…. There are excellent educational and concert opportunities, there is room for many of us!» declares Carolina D’Alberto of Santa Cecilia in Rome, an opinion shared by Antonio Saulo of the Cherubini: «Thanks to its timbres and considerable extension, the accordion offers a great and fascinating inspiration for new composers of contemporary music… His path has been fundamental for us accordionists of the present time, and all this is possible thanks to the work of wellknown figures such as Salvatore Di Gesualdo, Frederich Lips, Mogens Ellegard and others, that have contributed to give a new profile to the instrument through an extraordinary repertoire. Nowadays, the accordion is a complete instrument, colourful. In my opinion, we should continue the path of growth through an original repertoire, chamber and orchestra, which increasingly exalts the expressive potential that this instrument possesses».
Michele D’Addona of the Avellino Conservatory suggests: «The accordion, as a young instrument, could not have the attention of great classical composers such as Bach, Mozart, etc. and precisely for this reason it is self-evident to imagine what would have happened if a musical genius like Bach had heard about the sound of this instrument. I believe that the future of accordion will be rich in research and experimentation and I am convinced that this instrument still has much to give to music».
The accordionclass of the Conservatory in Brescia highlights the importance of the contemporary repertoire in didactic programs as exploration, searching and discovery of the instrument: «The approach to this repertoire has opened me a world, it made me appreciate the accordion in all its nuances» moreover «contemporary music has fulfilled its real task of research, identifying in the accordion a pool of expressive potential new available to the new generations of composers».
Finally, Riccardo Pugliese’s consideration of the Latina’s Ottorino Respighi Conservatory, leaves no doubt, in the name of the accordion class, he explains precisely the projects to be implemented in the near future and the involvement that each of them lives in their path of study aimed at the realization of projects: «It is necessary that the synergic collaboration between performers and composers continue, so that the accordion repertoire increases further by new and different musical pages. It would be particularly interesting a compositional research focused on chamber music, which would uncover timbral interweaving provided by the various ensembles with the accordion within them, as well as a research on orchestration and therefore when the instrument is inserted inside a team structure. But at the same time it is necessary that the repertoire is given an adequate space for performance, within concert seasons organized by musical institutions… The instrument, in fact, has over time been refined at a technical level, thanks to the skilled hands of the manufacturers. It is necessary that their work continues today looking for further constructive improvements. It is also essential that teachers give light to new teaching material, in order to offer a complete training for those who are about to study the accordion. Finally, it is up to us, accordionists players, to continue developing a practice that best expresses the sonorous identities of the instrument, because thanks to it, the accordion can break free from the prejudices of the past, demonstrating that the Music that is able to create».
Resolute and encouraging thoughts for their farsightedness that proove the high cultural and artistic preparation of today’s young accordionists. They are ready to increase the evolution of concert compositions and teaching, thanks to their awareness acquired by the study of the Past, the analysis of the Present and the design of the Future.
The young accordionists of Latina rightly point out the inevitable progress of further constructive improvements, a piece of no small importance for those who dedicate themselves developing the best of the performing art of the accordion. In this regard, Michele Storti of the Conservatory of Avellino offers a proposal: «Following the organological setting, builders should try to lower the gap between left and right manual. Certainly this aspect is less visible for quality instruments. But I think that up to an organological point of view, the searching is not working anymore, or at least, the research for new techniques, new building materials are now entrusted to a few firms. In the future I would think about an accordion that has two manuals with the same characteristics, with the same possibility of tonal combination. These coming features could make our instrument more noble. With the accordion, regarding the organological and technical characteristics of the instrument, we are stuck to the first concept of accordion with “bassi sciolti” (bariton bass). Between the first and the last instruments produced with bariton bass, we do not find big differences, indeed we could say that with the advancing of time, quality of building materials could also be worsened. We need a return to “patronage”, translated with the new technological resources that we have in this historical period, so that the builders, assisted by the musician himself, can give new characteristics to the accordion, in order to be able to telll that in the 21st century, had been the greatest manufacturers of accordions and that have left an indelible mark for this instrument».
As for the technological progress of the accordion, Massimo Galliano from Treviso focuses on a hot topic, essential for the dissemination of this instrument from primary schools onwards, subject which has been debated for a long time: «The accordion is the product of craftsmanship and consequently a tool with a full-bodied cost and very often unapproachable. In order to exceed this limit in the coming years a way should be devised by widening the production to an industrial level without lowering the quality of the instruments. Lowering the price so that more people would be curious and try to learn how to play it. It is nothing more than the same path that the piano and the guitar have done many years ago».
Painful subject… it is undeniable that, excepting for the quality instrument so much desired by the student who chooses to go on, the fact remains that the accordion is still an expensive instrument even for beginners. Families are unlikely to be able spending more than EUR 500 immediately, both for domestic budget issues and for the uncertainty concerning the continuity of the children studies. On the other hand, it is no longer credible keeping on a training course with a “standard bass” accordion, which later, maybe after a few years, would be replaced with a “Bariton Bass” one.
Musical studies must now be started from the beginning with the concert instrument in different sizes depending on the age of the students. Moreover, it is now imperative to update the educational programs, that expresses the full identity of the accordion and therefore becomes for sure captivating for its modernity.
The contribution of Antonio Zappavigna of the Cherubini Conservatory concludes this paper, whose purpose has been to unify the ideas of young accordionists in sight of a bright future, that considers them protagonists and architects of their professional walking: «I wish a future that looks to the accordion as an instrument able of including an entire orchestra, I wish to continue the road of accordionists and composers who have brought this instrument to be considered capable of playing “cultured” music. As an accordionist I have the duty to continue the study of repertoires and to bring to the maximum flowering the art of musical interpretation through an instrument that until a few decades ago was considered only and exclusively a folk instrument».
Playing music, in the different forms that this verb can mean, has always been a great opportunity, an ancestral practice of which no civilization in the Past and in the Present has ever excluded, precisely because it is necessary for the human living.
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CONTRIBUTORS
Il Nuovo C.D.M.I. ringrazia tutti coloro, docenti e allievi, che hanno partecipato alla realizzazione di questo articolo:
The Nuovo C.D.M.I. thanks all those, teachers and students, who partecipated in the realization of this article:
BURANI MATTEO, Scuola di Fisarmonica Prof. Ivano Battiston, Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze
CETTA FRANCESCO, Scuola di Fisarmonica Prof. Massimo Signorini, Conservatorio Domenico Cimarosa di Avellino
CONVERTINO SARIA, in rappresentanza degli allievi della Scuola di Fisarmonica Prof.ssa Saria Convertino, Conservatorio Luca Marenzio di Brescia – sezione staccata di Darfo
D’ADDONA MICHELE, Scuola di Fisarmonica Prof. Massimo Signorini, Conservatorio Domenico Cimarosa di Avellino
D’ALBERTO CAROLINA, Scuola di Fisarmonica Prof. Massimiliano Pitocco, Conservatorio Santa Cecilia di Roma
DI LORETO STEFANO, in rappresentanza degli allievi della Scuola di Fisarmonica Prof. Stefano Di Loreto, Liceo Musicale Santa Rosa di Viterbo
FARRONATO EDOARDO, Scuola di Fisarmonica Prof. Ivano Paterno, Conservatorio Agostino Steffani di Castelfranco Veneto
GALLIANO MASSIMO, Scuola di Fisarmonica Prof.ssa Miranda Miranda Danielle Valérie Cortese, Liceo Musicale Giorgione di Castelfranco Veneto
GEROLIN MARCO, Scuola di Fisarmonica Prof.ssa Miranda Miranda Danielle Valérie Cortese, Liceo Musicale Guglielmo Marconi di Conegliano Veneto
LUISATO CINZIA, in rappresentanza degli allievi della Scuola di Fisarmonica Prof.ssa Cinzia Luisato, Liceo Musicale Concetto Marchesi di Padova
PUGLIESE RICCARDO, in rappresentanza degli allievi della Scuola di Fisarmonica Prof.ssa Patrizia Angeloni, Conservatorio Ottorino Respighi di Latina
SANSO ELEONORA, Scuola di Fisarmonica Prof. Ivano Battiston, Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze
SAULO ANTONIO, Scuola di Fisarmonica Prof. Ivano Battiston, Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze
STORTI MICHELE, Scuola di Fisarmonica Prof. Massimo Signorini, Conservatorio Domenico Cimarosa di Avellino
ZAPPAVIGNA ANTONIO, scuola di Fisarmonica Prof. Ivano Battiston, Conservatorio Luigi Cherubini di Firenze