“Cantare” attraverso la fisarmonica

Fisarmonicista che fa della versatilità stilistica una sorta di mantra, dalla profonda sensibilità artistica, Maciej Frąckiewicz è un musicista a tutto tondo che rifiuta in radice l’idea di farsi etichettare in un unico genere musicale. Sempre animato da una fervida curiosità, attraverso cui ama spaziare da uno stile all’altro con grande consapevolezza, sete di conoscenza e ferma convinzione, Frąckiewicz parla della fisarmonica e della musica più in generale come se fosse un pensiero filosofico, come un vero e proprio modus vivendi.

La versatilità stilistica è una fra le tue qualità artistiche più importanti. Quale percorso hai intrapreso per raggiungerla?

Sono sempre stato affascinato dai contrasti tra mondi sonori, stili ed emozioni. Fin dall’inizio dei miei studi mi sono rifiutato di limitarmi a un’unica estetica. Ho esplorato le trascrizioni barocche con la stessa passione che ho dedicato alle partiture d’avanguardia. Collaborare con compositori e musicisti di diversa estrazione ha plasmato la mia comprensione della musica come linguaggio universale, piuttosto che come un insieme di generi. Questa curiosità mi ha portato naturalmente a sviluppare un approccio flessibile, sia tecnicamente che emotivamente.

Hai vinto diversi prestigiosi concorsi internazionali di fisarmonica. Potresti raccontare qualche aneddoto su queste esperienze a cui sei particolarmente legato?

I concorsi sono strani, ma allo stesso tempo stimolanti e “terrificanti”. Però, al di là dello stress, questi eventi sono stati momenti di intensa crescita. Incontrare altri musicisti appassionati e sentire l’energia condivisa della competizione mi ha insegnato a rimanere autentico anche sotto pressione. Non mi è mai successo quasi nulla di insolito durante i concorsi. Ma una volta, a Bonn, prima della finale, si sono dimenticati di informarmi della prova con l’orchestra, quando si sono resi conto che, un paio di minuti prima, non riuscivano a contattarmi perché stavo provando in hotel con il telefono in modalità aereo.

Anche la sensibilità musicale è una tua caratteristica particolarmente importante. Riesci a essere molto energico, ma anche profondamente comunicativo e stilisticamente innovativo. Come hai raggiunto questo equilibrio?

Penso che l’equilibrio derivi dalla sincerità. La musica non dovrebbe mai essere una questione di ostentazione, dovrebbe trasmettere qualcosa di reale. L’energia senza profondità diventa rumore e la profondità senza energia diventa statica. Cerco di rimanere in contatto con il nucleo emotivo di ogni brano, lasciando che il mio corpo e il mio respiro guidino il suono. Dico spesso agli studenti: “Non suonate la fisarmonica, cantate attraverso di essa”. Questa filosofia mi guida.

A proposito del tuo eclettismo, affronti con disinvoltura repertori che spaziano dalla musica antica a quella contemporanea. Dal punto di vista tecnico e interpretativo, quali sono le principali differenze tra questi due generi musicali?

La musica barocca e quella contemporanea possono sembrare mondi a parte, ma entrambe richiedono precisione e immaginazione. Nella musica antica, l’articolazione e il fraseggio devono imitare il parlato: il tocco è leggero, “trasparente” e in qualche modo ritmicamente più libero. La musica contemporanea, d’altra parte, sfida l’esecutore a diventare un esploratore, scoprendo nuovi timbri, microtonalità e tecniche estese, ma è molto più rigorosa. La differenza sta principalmente nel modo in cui si scolpisce il suono: in Bach, la chiarezza. Nella musica moderna, il colore e la consistenza. Ma in realtà tutto è interconnesso e reciprocamente stimolante.

A dimostrazione del tuo talento, suoni regolarmente sia come solista in varie orchestre che in diverse formazioni cameristiche, ma anche in duo con violino, violoncello, pianoforte o chitarra. In quale di queste dimensioni ti senti più a tuo agio?

Ogni contesto mi regala qualcosa di unico. Suonare come solista con l’orchestra è esaltante, è come cavalcare un’onda potente. La musica da camera, invece, è più intima, si tratta di respirare insieme, di ascoltare profondamente. Amo particolarmente i duetti perché permettono un dialogo autentico, quasi come una conversazione tra due persone. Quindi non direi di avere una sola “casa”. Piuttosto, mi piace muovermi tra questi mondi.

Sei anche un grande divulgatore di fisarmonica. In che modo diffondi la conoscenza di questo strumento?

Credo che la migliore divulgazione sia attraverso la qualità artistica. Quando il pubblico ascolta la fisarmonica in contesti inaspettati, in un quartetto d’archi, in una sala sinfonica o suonando musica antica, ne comprende il potenziale espressivo. Collaboro anche a stretto contatto con compositori, commissionando e presentando in prime assolute nuove opere, e dirigo masterclass in tutto il mondo. La formazione e la visibilità sono fondamentali per cambiare la percezione. La mia missione è mostrare la vera fisarmonica cosiddetta classica a un pubblico possibilmente vasto. Per questo organizzo festival anche in piccoli luoghi, dove senza di essi le persone non avrebbero la possibilità di avvicinarsi a questo strumento. Eppure sento molto spesso frasi come “non ho mai sentito una fisarmonica così, ricorderò questo concerto per sempre!”

Spostando l’attenzione sul tuo strumento, quale modello di fisarmonica suoni nei concerti e in studio di registrazione?

Io uso Pigini Nòva. Ne ho due: il n. 32 del 2013 e il n. 249 del 2024. Entrambi i modelli offrono un’ampia gamma dinamica, un controllo timbrico preciso e l’affidabilità di cui ho bisogno sul palco. Il primo è più potente e brillante, mentre il secondo è molto più caldo.

Quali sono i tuoi impegni musicali nei prossimi mesi?

Nei prossimi mesi terrò una serie di entusiasmanti concerti e collaborazioni. Innanzitutto in duo con il collega fisarmonicista Rafał Luc, con musiche polacche di compositori eccezionali come Baculewski, Krzanowski, Majkusiak e Paweł Szymański, il cui nuovo brano lo presenteremo in prima assoluta. All’inizio di novembre farò due concerti con elettronica dal vivo: uno all’Arena Festival di Riga e un altro nella mia città natale, Białystok, che sarà trasmesso in diretta dalla radio locale. Il giorno successivo un concerto da camera in un vicino monastero storico. Entrambi i live fanno parte del mio festival Musico de Nia Tempo. Una settimana dopo sarò impegnato in un recital da solista al Vilnius Accordion Festival. Il 16 novembre suonerò sempre in un recital in duo con il contrabbassista Jacek Karwan, primo violino dell’Orchestra Sinfonica di Reykjavik, nella “Harpa Concert Hall”. Il 27 novembre mi riunirò con il mio partner musicale di lunga data, il chitarrista Lukasz Kuropaczewski, professore presso le Università di Graz e Poznań, per un altro recital in duo. Il 4 dicembre presenterò il mio Antrittskonzert alla Hochschule für Musik di Norimberga, un evento speciale in cui i nuovi professori si presenteranno alla comunità universitaria e al pubblico cittadino. Il programma includerà opere con elettronica e musiche di Bach e Scarlatti. Il 7 dicembre eseguirò un programma completo dedicato a brani per fisarmonica ed elettronica dal vivo. Il 12, 13 e 14 dicembre farò tre concerti in Polonia con il contrabbassista Jacek Karwan, due dei quali in sinagoghe dall’acustica eccezionale. A gennaio mi esibirò con un quartetto d’archi, presentando musica polacca recentemente registrata nel mio nuovo CD (disponibile su Spotify e altre piattaforme). Più avanti, nello stesso mese, prenderò parte a due concerti con un gruppo di quattro fisarmonicisti, Marko Kassl, Pavel Efremov, Nikola Komatina e io, per celebrare l’inizio dell'”Anno della Fisarmonica 2026″, in Germania. Il repertorio prevede esibizioni sia da solista che da camera. A febbraio trascorrerò un’intera settimana in Portogallo, esibendomi in recital da solista, tenendo masterclass e facendo parte della giuria del Festival Folefest.

 

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“Singing” through the Accordion

In Maciej Frąckiewicz’s musical vision it is possible to play the accordion by “singing” through it

 

An accordionist with a profound artistic sensibility and stylistic versatility, Maciej Frąckiewicz is a well-rounded musician who fundamentally rejects the idea of ​​being pigeonholed into a single musical genre. Always driven by a fervent curiosity, through which he loves to explore different styles with great awareness, a thirst for knowledge, and unwavering conviction, Frąckiewicz speaks of the accordion and music more generally as if it were a philosophical thought, a true way of life.

Stylistic versatility is one of your most important artistic qualities. What path did you take to achieve it?

I’ve always been fascinated by the contrasts between sound worlds, styles, and emotions. From the beginning of my studies, I refused to limit myself to a single aesthetic. I explored baroque transcriptions with the same passion as avant-garde scores. Collaborating with composers and musicians from diverse backgrounds shaped my understanding of music as a universal language, rather than a collection of genres. This curiosity naturally led me to develop a flexible approach, both technically and emotionally.

You’ve won several prestigious international accordion competitions. Could you share some anecdotes about these experiences that you’re particularly fond of?

Competitions are strange, but at the same time stimulating and “terrifying”. However, beyond the stress, these events have been moments of intense growth. Meeting other passionate musicians and feeling the shared energy of the competition has taught me to remain authentic even under pressure. Almost nothing unusual has ever happened to me during competitions. But once, in Bonn, before the final, they forgot to inform me about the orchestra rehearsal, when they realized that, a couple of minutes before, they couldn’t reach me because I was rehearsing in the hotel with my phone on airplane mode.

Your musical sensibility is also a particularly important characteristic of yours. You manage to be very energetic, yet profoundly communicative and stylistically innovative. How did you achieve this balance?

I believe balance comes from sincerity. Music should never be about show, it should convey something real. Energy without depth becomes noise, and depth without energy becomes static. I try to stay in touch with the emotional core of each piece, letting my body and breathing guide the sound. I often tell students, “Don’t play the accordion, sing through it.” This philosophy guides me.

Speaking of your eclecticism, you effortlessly tackle repertoires ranging from ancient to contemporary music. From a technical and interpretative standpoint, what are the main differences between these two musical genres?

Baroque and contemporary music may seem worlds apart, but both require precision and imagination. In early music, articulation and phrasing must imitate speech: the touch is light, “transparent”, and somehow rhythmically freer. Contemporary music, on the other hand, challenges the performer to become an explorer, discovering new timbres, microtonalities, and extended techniques, but it is much more rigorous. The difference lies primarily in the way the sound is sculpted: in Bach, clarity. In modern music, color and texture. But in reality, everything is interconnected and mutually stimulating.

Demonstrating your talent, you regularly perform as a soloist in various orchestras and chamber music groups, as well as in duos with violin, cello, piano, or guitar. Which of these do you feel most comfortable with?

Every context gives me something unique. Playing as a soloist with an orchestra is exhilarating, like riding a powerful wave. Chamber music, on the other hand, is more intimate; it’s about breathing together, listening deeply. I particularly love duets because they allow for an authentic dialogue, almost like a conversation between two people. So, I wouldn’t say I have just one “home.” Rather, I enjoy moving between these worlds.

You’re also a great “accordion evangelist”. How do you spread awareness of this instrument?

I believe the best way to communicate is through artistic quality. When audiences hear the accordion in unexpected contexts, in a string quartet, in a symphony hall, or playing early music, they understand its expressive potential. I also collaborate closely with composers, commissioning and premiering new works, and I lead masterclasses around the world. Education and visibility are essential to changing perceptions. My mission is to showcase the true, so-called classical accordion to as wide an audience as possible. That’s why I organize festivals, even in small venues, where otherwise people wouldn’t have the opportunity to experience this instrument. Yet I often hear phrases like, “I’ve never heard an accordion like this, I’ll remember this concert forever!”

Shifting attention to your instrument, which accordion model do you play in concerts and in the recording studio?

I use Pigini Nòva. I have two: the 2013 No. 32 and the 2024 No. 249. Both models offer a wide dynamic range, precise tonal control, and the reliability I need on stage. The former is more powerful and brighter, while the latter is much warmer.

What are your musical commitments in the coming months?

In the coming months, I’ll be performing a series of exciting concerts and collaborations. First, a duo with fellow accordionist Rafał Luc, featuring Polish music by outstanding composers such as Baculewski, Krzanowski, Majkusiak, and Paweł Szymański, whose new piece we’ll be premiering. In early November, I’ll be performing two concerts with live electronics: one at the Arena Festival in Riga and another in my hometown of Białystok, which will be broadcast live on local radio. The following day, I’ll be performing a chamber concert in a nearby historic monastery. Both concerts are part of my Musico de Nia Tempo festival. A week later, I’ll be giving a solo recital at the Vilnius Accordion Festival. On November 16, I’ll be performing a duo recital with double bassist Jacek Karwan, concertmaster of the Reykjavik Symphony Orchestra, at the Harpa Concert Hall. On November 27th, I will reunite with my long-time musical partner, guitarist Lukasz Kuropaczewski, a professor at the Universities of Graz and Poznań, for another duo recital. On December 4th, I will present my “Antrittskonzert” at the Nuremberg University of Music, a special event where the new professors will introduce themselves to the university community and the public. The program will include works with electronics and music by Bach and Scarlatti. On December 7th, I will perform a full program of works for accordion and live electronics. On December 12th, 13th, and 14th, I will perform three concerts in Poland with double bassist Jacek Karwan, two of which will be in synagogues with exceptional acoustics. In January, I will perform with a string quartet, presenting Polish music recently recorded on my new CD (available on Spotify and other platforms). Later that month, I will perform two concerts with a group of four accordionists—Marko Kassl, Pavel Efremov, Nikola Komatina, and myself—to celebrate the start of the “Year of the Accordion 2026” in Germany. The repertoire includes both solo and chamber music performances. In February, I’ll be spending a week in Portugal, performing solo recitals, giving masterclasses, and serving on the judging panel for the Folefest Festival.

 

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