La ricerca personale attraverso il suono

Sensibile, immaginativa ed eclettica. Queste sono le tre maggiori peculiarità della fisarmonicista Sara Calvanelli. Musicista dalle mille risorse e dalle mille idee, con una particolare predilezione per la cura del suono, brillante nello spaziare fra generi diversi con disinvoltura, si racconta con contagioso trasporto emotivo iniziando dai suoi primi passi musicali.

Partendo dalla tua formazione, oltre alla fisarmonica hai studiato pianoforte, composizione e canto. Quanto l’approfondimento di queste tre materie ha arricchito il tuo bagaglio di conoscenze?

Il mio primissimo approccio con uno strumento è stato con il pianoforte ed è avvenuto in via totalmente istintiva, come spesso accade ai bambini. Avevo otto anni e mi regalarono una tastiera in cui riversai interamente la mia curiosità. L’anno seguente iniziai a frequentare un vero e proprio corso e, fin da subito, capii che avrei scelto la vita da musicista. Del piano ho amato profondamente l’infinito di possibilità che ti si dispiega davanti agli occhi nel momento in cui ti siedi sul panchetto: la grazia e il vigore, la risonanza, i verdi e i blu di Debussy, le emozioni direttamente in pancia di Chopin, il rigore leggero di Mozart, la sensualità di Satie. Al pianoforte, tuttavia, nel tempo non ho mai perdonato il fatto di non poter essere davvero mio, di non potermi seguire fuori casa, di non avere un contatto diretto e corporeo con me. Per queste necessità viscerali, da adolescente, ho trovato la fisarmonica. Finalmente avevo uno strumento che mi avvolgeva e proteggeva, un’orchestra in miniatura che respirava con me e che potevo portare ovunque volessi. Il suono magnetico, antico e il movimento del mantice, un po’ polmone e un po’ ventaglio, mi hanno totalmente conquistato. Della fisarmonica amo profondamente il suono: può sembrare banale, ma è proprio attorno al suono che ho sviluppato la mia ricerca personale, Il fatto di poterlo portare ovunque, come fosse un’estensione del mio corpo, della mia voce. Per questo motivo credo di aver iniziato a cantare, anche qui istintivamente. Penso che il canto fosse il tassello mancante per appagare pienamente il mio bisogno di esprimermi attraverso un suono che fosse veramente mio. Per quanto riguarda la composizione, ritengo che sia stato anche qui un processo naturale e in costante evoluzione negli anni: da bambina amavo inventare melodie, da ragazzina componevo musiche per la compagnia teatrale del liceo, all’epoca del conservatorio ero rapita dalla contemplazione e dallo studio delle partiture sinfoniche, mentre oggi sento sempre più l’esigenza di suonare quasi esclusivamente musica mia. In sintesi, credo che ognuna di queste esperienze sia stata importantissima per la mia formazione, così fondamentale che in realtà non riesco a vedere una distinzione tra una materia e l’altra, come fossero diverse sfumature di uno stesso dipinto.

Animata da una viva curiosità stilistica, ti contraddistingui per aver creato un’interessante sintesi che abbraccia arcaico e contemporaneo, attraversando canti antichi, improvvisazione libera, influenze jazz, scrittura per il teatro, danza e immagine. Questa poliedricità artistica deriva più da un’urgenza espressiva o dal desiderio di sperimentare senza soluzione di continuità?

Entrambe le cose. Penso che l’urgenza di esprimermi, di lavorare su un suono davvero mio, che sia una mia identità, passi per forza attraverso il desiderio continuo di sperimentare, di ricercare. Faccio veramente sempre più fatica a concepire la musica come suddivisa in generi: la musica è musica. Certo, può essere bella o brutta, suonata bene o male, sincera o fasulla, di ricerca o di convenienza, di sapienza o di banalità, ma è musica. E credo di avere un pensiero simile per le forme d’arte in generale, perché non mi interessa che si tratti di cinema, teatro o danza, ma credo che la missione più elevata dell’arte sia comunicare a un livello profondo, consapevole e sincero all’anima e alla coscienza del pubblico, qualunque sia il linguaggio utilizzato, e di ricordarci quanto siano la bellezza e la ricerca, anche spietata dentro le nostre emozioni e contraddizioni, a renderci davvero umani, specie in questo triste momento storico. Per questi motivi amo collaborare imparando e arricchendomi tantissimo anche con teatro, cinema, danza o arti visive.

Oltre ovviamente all’Italia ti esibisci a tutte le latitudini, in particolare in America, Asia e Oceania. Sotto l’aspetto dell’accoglienza da parte del pubblico e della percezione emotiva degli ascoltatori che assistono ai tuoi concerti, quali sono le principali analogie e le differenze più importanti fra l’Europa e gli altri continenti?

La magia della musica è la capacità di comunicare a un livello profondo su scala universale, al di là delle differenze linguistiche. Il mondo delle emozioni umane è senza confini e la musica ha una corsia preferenziale per accedervi. Tuttavia, ci sono diversità culturali che determinano come tali emozioni vengano o meno manifestate dal pubblico: c’è quello di San Paolo che, se pur a teatro, non riesce a non esternare gioia ed entusiasmo con applausi e calorosi commenti in tempo reale, diverso sicuramente da quello parigino più composto e borghese. Poi c’è il pubblico georgiano che è estremamente affettuoso e sentimentale, quello un po’ matto del Québec, quello dell’isola greca un po’ diffidente all’inizio ma che ti cucina l’agnello dopo il concerto. Un episodio bellissimo e commovente lo porto nel cuore più di altri, avvenuto a Samara, bellissima città russa sulle rive del Volga, diversi anni fa. Durante la rappresentazione ero lì in tour con Daniele Finzi Pasca. Silenzio glaciale, quasi imbarazzante. Eravamo convinti che il pubblico non avesse apprezzato lo spettacolo, ma alla fine si è creato un corteo silenzioso di persone grate e commosse che portavano fiori sul palco, avranno portato almeno duecento mazzi di fiori! Credo sia un’usanza in quella parte di Russia che trovo semplicemente incredibile. In ogni caso, mi sento fortunata a suonare la fisarmonica, perché è diffusa praticamente in tutto il mondo e occupa un posto speciale nel cuore di ogni Paese e nelle sue radici. E questo, in fondo, si percepisce nello sguardo di chi ascolta, ovunque si vada.

Grazie alla tua versatilità hai avuto modo di collaborare con musicisti di assoluto livello come Riccardo Muti, Giovanni Sollima, con l’Orchestra Olimpia e la Compagnia Finzi Pasca. Sul piano artistico e umano, quali sono gli insegnamenti più preziosi che hai tratto da queste esperienze?

Penso sia difficile elencare in poche righe gli insegnamenti umani che si traggono quando si ha la fortuna di praticare questo meraviglioso mestiere e l’occasione di entrare in contatto con artisti di enorme spessore ed esperienza. Quello che credo vero è che per essere un artista a certi livelli devi prima di tutto essere una grande anima curiosa e avere molta forza di volontà e determinazione per affermare la tua identità. Il fallimento è parte fondamentale del successo, bisogna essere sognatori tenaci e lavorare su sé stessi non solo sul piano tecnico, ma come persone, esseri pensanti e senzienti. Credo altrettanto vero, tuttavia, che proprio il successo possa poi cambiarti e che il lavoro dell’anima sia sempre in evoluzione. Tanti artisti di assoluto valore, infatti, rischiano di essere risucchiati dal tritacarne del mercato, dimenticando la propria ricerca e la propria vocazione interiore. Penso, dunque, che il più grande obiettivo per ogni musicista sia quello di essere sé stessi, cercare la propria identità, essere in ascolto, essere anche disposti a cambiare direzione se serve a mantenere l’autenticità. Credo appunto che l’autenticità, prima o poi, venga comunque premiata a tutti i livelli.

A proposito di collaborazioni significative, spiccano quelle più recenti con la violinista Virginia Sutera e con il “collega di mantice” Simone Zanchini. Come nascono questi incontri musicali così importanti per te?

Mi piace definire Virginia la mia anima gemella musicale. Penso che a prescindere dalle differenze e dai rispettivi percorsi di vita e di formazione, abbiamo un modo molto simile di sentire la musica. Insieme, ormai da cinque anni, anche se ci conosciamo dal 2012, abbiamo un progetto di improvvisazione libera basato esclusivamente sul nostro ascolto reciproco in tempo reale. Quando suoniamo assieme è come se ci sentissimo a un livello telepatico. Di lei adoro il suono antico e profondamente emozionante, la sua caratteristica di non perdere mai il contatto viscerale con la melodia anche nelle improvvisazioni più contemporanee e la capacità di interagire con il silenzio. Invece, Simone Zanchini e io, ci conosciamo da circa venti anni. Abbiamo studiato entrambi con Sergio Scappini e ci siamo incontrati varie volte quando io ero ancora una studentessa di conservatorio e lui veniva a trovare il suo maestro di un tempo. Negli anni il rapporto tra noi ha vissuto molte trasformazioni: da colleghi che si stimavano da lontano reciprocamente, siamo diventati prima amici, poi col tempo abbiamo sentito l’esigenza di avvicinarci sempre più e adesso siamo una coppia. L’idea di condividere la musica, oltre che la vita, è arrivata in modo naturale, come conseguenza normale. Lui è uno dei musicisti più incredibili, fantasiosi e geniali che abbia mai incontrato e, cosa fondamentale che ho imparato conoscendolo da una posizione privilegiata, è un’anima stupenda, un artista assolutamente in contatto con la sua anima, un musicista autentico. Pur nelle differenze, credo che condividiamo un’idea di fisarmonica libera dagli schemi e dagli stereotipi, aperta alle sperimentazioni, senza però tralasciare il suo forte legame con la tradizione, la melodia e il canto.

Nel 2025 hai composto le musiche originali per il film Sulle tracce di Antigone, diretto dal regista Giovanni Brancale. Soprattutto dal punto di vista melodico e armonico, come hai concepito la scrittura di queste composizioni?

Mi piace lavorare con il cinema e prediligo un approccio pragmatico della composizione. Molti brani nascono come improvvisazioni in tempo reale sulle immagini, non solo dal punto di vista melodico ma anche armonico. Poi, in un secondo momento, mi occupo di sistemare, arricchire o svuotare e limare. Prima di suonare e comporre, ovviamente, ho già in mente il progetto in generale. La musica può assumere ruoli differenti: essere semplice sottofondo o narrazione emotiva, guidare l’azione o sparire improvvisamente per creare una rottura di schema. Sulle tracce di Antigone è una rivisitazione della tragedia di Sofocle ambientata durante la Seconda Guerra Mondiale lungo la Linea Gotica. In questo progetto ho cercato di lavorare su un doppio piano: quello storico-ambientale legato al luogo e al periodo, cercando però di creare un ponte sottile anche con la dimensione arcaica del teatro greco, e quello emotivo-interiore legato ai personaggi e alle emozioni umane. Lo scopo del film, infatti, è quello di lanciare un messaggio chiaro e universale: la guerra crea solo dolore e disumanizza il mondo.

Spostando l’attenzione sul tuo strumento, quale modello di fisarmonica utilizzi in studio di registrazione e nei concerti?

Ho sempre utilizzato delle fisarmoniche fatte su misura e personalizzate, anche perché ho le mani molto piccole, come quelle di una bambina. In questo momento sono felicissima e onorata di suonare una Scandalli realizzata su misura per me: 118 bassi con convertitore, 41 tasti, in mogano. Bellissima, un gioiellino ma con un suono potente, caldo, avvolgente. Devo ringraziare di cuore Mirco Patarini e tutto il team Scandalli per questa creazione. Mi sento veramente libera con questo strumento.

Volgendo lo sguardo all’immediato futuro, cosa bolle nella pentola “artistica” di Sara Calvanelli?

Tra poche settimane uscirà il mio nuovo disco Steppenwolf Blues con l’etichetta norvegese Losen Records. È un album completamente in “Solo” per voce, fisarmonica, live looping e organo portativo, incentrato principalmente su improvvisazioni libere e composizioni mie, registrato in presa diretta all’interno di una pieve millenaria sull’Appennino. Per quanto riguarda il 2027 ci sono diversi progetti in cantiere. Dal punto di vista discografico, sicuramente una nuova pubblicazione con Virginia Sutera (il nostro secondo disco insieme) di improvvisazioni ispirate a La bella addormentata di Tchaikovsky. Poi, sempre per ciò che riguarda la produzione discografica, ho un sogno nel cassetto da un po’ e spero proprio di realizzarlo il prossimo anno: un progetto in quartetto ispirato all’organo portativo e alla creatività femminile medievale (non solo occidentale). Invece, per quel che concerne progetti live, mi piacerebbe molto portare in giro sia il nuovo disco in “Solo”, sia il duo con Simone Zanchini. Per il teatro lavorerò a quattro mani con il regista e drammaturgo georgiano Misha Mreshvili, che sta scrivendo per me un monologo contemporaneo ispirato a Madre Coraggio di Bertolt Brecht. Infine, in autunno 2027, lavorerò sempre a quattro mani con il regista e drammaturgo svizzero Oliver Kühn per uno spettacolo ispirato al Lupo della steppa di Hermann Hesse.

(Foto di Regina Jäger e Cristina Valla)